2013年9月18日 星期三

適合Stratocaster的音色電容器〈第二集〉

Tone Capacitors for Stratocasters, Part 2

Dirk Wacker
April 15, 2010

哈囉,歡迎回到「改裝車庫」。在繼續我列你該試用在Strat上的電容器清單之前(見Part 1),我有些話要說,是有關前些年突然在市場上出現,並且很受歡迎的Luxe復刻電容器 (luxeradio.com)。這些複製品,是去忠實呈現舊的vintage電容器外觀,這些人真的做得很出色。我拿了一些放在我的工作台上,並小心地和原始型號做比較。在外觀上確實難以分辨-它們真的很像五十年前的電容器,它們甚至在觸感和嗅覺上都像。但請銘記在心,它們是複製品,所以它們的音色不會像原始型號一樣。如果你只是想要有仿舊外觀的電子零件的話,這樣子是很不錯。別誤會了,那些在 Luxe Radio & Musical Instrument Co.工作的人,是盡心盡力地要使他們的電容器聽起來像是原始型號沒錯的,所以他們用了同樣的結構。這麼說好了,Luxe Bumblebee復刻電容器是,由俄羅斯軍方提供,有著仿舊外觀的Vintamin Q油浸紙質電容器的庫存新品。這些電容器聲音很好,但不完全像舊的「Bumblebee」或「Black Beauty」。

OK,所以繼續列你該試用在Strat的電容器清單吧。

Silver Mica 

銀雲母電容器是雲母做的電介質,再做過浸泡式鍍銀而製成的,名字也是因此而來的。現在的銀雲母電容器很容易辨別,因為它在身體中間有個典型的凹陷設計。銀雲母電容器的庫存新品通常是平坦、矩形的外觀。它們很容易可以在高品質的音箱和效果器內找到。它們也常被裝在音量鈕上當作hi-cut用,如果你能找到正確的數值,也能當作音色電容器用。高電容量的Silver Mica電容器通常不好找,又大顆又昂貴-但還是值得你一試。它們的聲音很出色,對聲音沒有任何的染色。它們會大大地改善吉他的音色,因為它們低訊號耗損的設計,會改善高頻和清晰度-作為tone circuits、tone stacks、濾波器而言,它們真的是最棒的。有個很好的銀雲母電容器替代品,就是我上個月提過的Styroflex電容器。它們的體積更小,因此更容易當作吉他電容器使用。

Paper-in-Oil (aka “PIO”) 

Jensen、Sprague(Vitamin Q)、Mundorf,還有其他幾家公司都有做這些電容器,常常可以在high-end或hi-fi設備,像是電源供應器、 decoupling stages、揚音器的分音濾波器裡找到,在高級的吉他音箱裡也會有。它們非常昂貴,但很多人都為它掛保證。當然,如果你吉他的電路室夠大的話,你可以裝看看。這些電容器使用油浸紙來做電介質材料,這樣子阻尼會很好,音色會很透明、滑順、清晰、強勁、自然-頻帶會很寬,失真度會很低。五零年代非常早期的Sprague Bumblebee電容器就是PIO的,因為外觀上的斑點,所以很容易分辨。市面上有大量的PIO庫存新品在流通,它們有卓越的品質-有的甚至是軍事等級的-而且它們通常比Jensen或其他廠商做的電容器還便宜。

Mullard/Philips C280 “Tropical Fish” 

Mullard/Philips C280電容器,又稱熱帶魚電容器,因為它的彩色條紋而得此名。它是在六零年代晚期出現的聚酯膜電容形式電容器,你可以在那時期的真空管音箱和效果器看到它的身影。它也是個神奇的哇哇踏板用電容器。所以,它是你把你的現代哇哇踏板,轉換成vintage音色踏板的門票。「熱帶魚」這個詞,常常會讓人把它跟大黃蜂電容器搞混,但這是個顯而易見的錯誤。這些電容器已經停產十年以上了,但還是能買到它們的庫存新品。它們用在Stratocaster上的效果出色極了,能給你肥厚的音色,卻又不失真。比起Orange Drop薄膜電容器,它們有更多的中頻,以及更少的高頻嘶聲。如果你的Strato音色瘦弱,它們是值得你一試的。

Paper-Waxed (aka “PIW”) 

這種形式的電容器,是最早的設計之一,而且在今日已經是被淘汰了。紙製電容器的製成,標準上都採用蠟紙,來分離裡面薄而平坦的條狀金屬箔膜導體。它們用封蠟的方式來防潮、保存。你可以在一些早期的真空管收音機、電視,還有吉他音箱裡找到這種電容器。Fender在早期的Broadcasters、Esquires、Telecasters、Stratocasters,採用這樣的電容器(通常看起來像一團厚厚的矩形蠟塊)。在那時,0.1uF是標準值,它產生非常暗沈、像被裹住的音色(像我提及過的「診斷死亡」)。選擇這樣的值是Leo Fender的主意,有像貝斯一般的音色,能讓樂團裡的吉他手,在必要的時候,彈上一些bass line的緣故。吉他世界中最出名的PIW,是Gibson在1956年以前所使用,管狀的Cornell-Dubilier “Grey Tiger”。它們的結構能幫助抑制高頻,讓低頻和中頻突出,產生一個像被裹住般的音色。個人來說我並不喜歡這些電容器的聲音,但它們是最早期Fender吉他的原廠設定-所以,如果你想要複製早期電路的話,沒有別的辦法了。我唯一會推薦這個電容器的情況是,你有把冰錐般音色、刺耳、具有大量高頻的Strat。這些電容器已經停產了很多年,但你仍然可以在eBay上找到二手貨跟庫存新品。

NOS “High Voltage” Ceramic 

「高伏特」陶瓷電容器(又稱「煎餅」電容器),來自於像 Sprague、Centralab、Waldom、Mepco和Erie這樣,在六零到七零年代初期之間,幫Fender生產標準電容器的公司。它們看起來像咖啡色的巧克力碎片,而且大多數都含有高達1kV,甚至更高的伏特數。它們已經停產了,但有些公司仍在囤積這些絕頂好聲的庫存新品。另一個取得的方法,就是去找那個時代的電器產品來拆取,像舊電視、舊收音機。想要有六零年代那種Strat、Tele,或是P-Bass、J-Bass的vintage tone,沒有什麼能像原裝產品那麼棒的了。它們聽起來跟現代的陶瓷電容器完全不一樣。它們的差異真如天壤之別,有一些說法來解釋,它們為何那麼出色。從技術觀點來看,這些可真稱不上是完美的電容器,有很多的諧波跟高頻都沒被阻隔住-這就是為什麼大多數人說它們聽起來很棒的原因。它們也在我的最愛清單之內,它們的位置落在非常好聽和好聽極了之間。我試過很多的現代陶瓷電容器,但它們一點都比不上這些舊的。如果你能拿到一些的話,就換吧!

好的,就這樣了。還有更多的電容器沒介紹到,但列一個超長清單不是我的本意。我想專注在那些適合Strat的電容器。例如,Bumblebee電容器,用在Fender吉他上就不太好聽,所以我們會留到未來談Les Paul和335改裝的時候再說。下個月,我們會以討論電容器的定向,來結束這一系列文章。我保證會有些精彩的故事。在那之前⋯⋯繼續改裝吧!

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Dirk Wacker 
Dirk Wacker住在德國,打從五歲起就被各式各樣的吉他吸引。他沈迷於任何有關舊Fender吉他和音箱的事情。空閑之餘,他在兩個樂團裡彈奏鄉村樂、鄉村搖滾樂、衝浪音樂,和納許維爾式音樂。他在當地兼職做錄音室樂手,也在一些吉他雜誌寫專欄。他是個吉他、音箱、效果器的重度改裝迷,並且經營一個關於這些事情的網頁 singlecoil.com



2013年9月17日 星期二

適合Straocaster的音色電容器〈第一集〉

Tone Capacitors for Stratocasters, Part 1

Dirk Wacker
March 11, 2010  

哈囉,歡迎回到「改裝車庫」單元。最近,我收到很多關於Stratocaster電容器的E-mails。我有在前幾次的單元中討論過電容器,如果你想對吉他電容器瞭解更多,或是想知道怎麼去取決電容量的話,去讀那些之前的專欄會是不錯的開始。基於之前的基本概念,現在我們要研究地更深入些,專注在Strats的電容器上。我會基於自身過去幾年的經驗,給你些有關電容器和Strats的建議,但這沒有一定的規則。這是你的吉他和你的音色,沒有任何法則能說,你不可以去試任何你想要做的。勇敢且大膽些,也許你會意外地找到正適合你的東西。有一個我的客人,只用一種五零年代出產,特殊的舊德國收音機取出的電容器。對他而言,那是完美的音色。如果你在地下室還閣樓,有些舊的、不要的電子產品,它們就是你做些瘋狂實驗的最佳來源。我曾收過一封信,是從阿肯薩斯洲寄來的。那傢伙打開了一些五零年代的軍事用品,結果找到了一大堆的Sprague Bumblebee電容器⋯⋯有一些被拿來賦予他的Les Paul、SG吉他新的生命,也提供超棒的音色。 

在小小的外殼下,電容器是個能利用兩個導體(稱作「金屬板」)之間的電場,來儲存能量的電氣/電子裝置。電容器儲存能量的過程,是利用兩邊電極的電荷相等,但相互反向,而建立起來的。電容器常用在電氣/電子電路板中作為能量儲存裝置。它們也常用來區別高頻和低頻的訊號。這項特性讓它們能在電子濾波器作用,這正是我們在吉他中使用它們的原因。基本上,我們的被動式音色控制,可以用來抑制高頻。當你把音色鈕關掉時,它會把高頻反應切掉,給你比較柔和的音色。調整這個控制鈕,會顯著地影響音色,但你依然很好辨識是同一把吉他。 音色電容器的基本法則就是:電容器越大,音色越暗。取決於電容的值(電容量),它的影響可讓音色從微暖(2200 - 6800pF),到女人聲(0.01 - 0.047uF),直到完全黑暗和死透(0.1 uF或更高的值)。另一件要記住的事,就是:雖然音色電容器也是吉他電路的一部分,但它甚至能在音色鈕全開的情況下影響音色-那就是音色電容器為什麼是聲音重要的一部分的原因。

以下是些你該試用在你Strat上的電容器:

Orange Drop

這些傳奇的電容器之前是由Sprague製造的。今天,它們是由一家美國公司SBE所製造的,但仍然是按之前輝煌日子的方式,用相同的舊機器做的。它們是薄膜式電容器,提供不同的伏特數、尺寸、形狀,以及電容量。就我們熟知的典型Orange Drop,都用在高品質的真空管音箱內,特別是630V。這些電容器在Strat上使用,會有最「Fendery」的音色:少量突出的中頻,緊實、有衝勁的低頻反應,最適合做clean playing(也適合overdrive)。他們有提供幾種不同的系列,最常在店家看見的就是715P,跟更高級的716P系列。它們都是聚丙烯薄膜電容器。225P和PS系列是聚酯薄膜式的。這些也是你該嘗試用在你的Strat上的電容器。它們甚至比715P和716P系列來的更「Fendery」。作為一個薄膜式電容器,Orange Drop是沒有極性的,所以它們的安裝定向是沒有分別的⋯⋯至少它不應該有任何差別,但那是在稍晚的專欄裡會提到的問題。

Mallory 150 

這些圓軸式的聚酯薄膜,或聚丙烯薄膜電容器,因為它們亮黃色的外觀,很容易就能分辨,就像你能在Music Man音箱內找到的舊Plessi電容器一樣。Mallory 150電容器是加拿大公司DuraCap製造的。因為軸狀的外形,它們很容易地能裝在吉他上。它們的聲音犀利帶勁-適合藍調和搖滾的完美Strat音色電容器。用overdrive時,它們聽起來圓潤、富有音樂性。這電容器和單線圈拾音器作用的很好,用在雙線圈拾音器上也很棒。如果你想要比較現代、圓潤的音色,這就是你該是去試的。

ERO Roederstein MKT1813 

由Vishay製造,這些也是圓軸式的聚丙烯薄膜電容器,它們也是黃色的,但沒有像Mallory 150那麼閃亮。它們有很木質和透明的音色;裝在Telecaster上,它們有時候會聽起來像把木吉他。如果你的Strat主要是琴身共鳴的木質音色,這個電容器會將這項特質更加提升。

NOS Styroflex caps 

通常都稱作「polystyrol」電容器, 即使現在已經停產了 ,但它們在eBay上可以輕易地找到。 聚苯乙烯電容器用來在濾波器、時序電路、回授電路,以及任何需要高穩定、低耗損的地方最恰當,但它們也適合拿來當吉他、音箱、效果器的電容器。 聚苯乙烯(註:在歐洲通常稱作”Styroflex”或”styrol”)是長久以來,拿來當關鍵性的類比電路板材料的選擇之一。聚苯乙烯電容器是銀雲母電容器的最佳替代品,但體積更小,更容易找到適合吉他的電容量。如果你想要最透明,沒有任何染色的音色,這是你該去嘗試的款式。

下個月我們會討論油浸紙質、銀雲母、熱帶魚、蠟質紙殻電容器,還有五零、六零年代出產的「高伏特」陶瓷電容器。在那之前⋯⋯繼續改裝吧!

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Dirk Wacker 
Dirk Wacker住在德國,打從五歲起就被各式各樣的吉他吸引。他沈迷於任何有關舊Fender吉他和音箱的事情。空閑之餘,他在兩個樂團裡彈奏鄉村樂、鄉村搖滾樂、衝浪音樂,和納許維爾式音樂。他在當地兼職做錄音室樂手,也在一些吉他雜誌寫專欄。他是個吉他、音箱、效果器的重度改裝迷,並且經營一個關於這些事情的網頁 singlecoil.com


出處:http://www.premierguitar.com/articles/Tone_Capacitors_for_Stratocasters_Part_1

All Access: Soundgarden翻譯

Apr 1, 2013 9:00 AM, Photos and Text By Steve Jennings


三月初,Soundgarden正在宣傳新專輯的巡迴途中,他們剛做完兩場完售演唱會,辦在加州奧克蘭的Fox Theater。我們利用這段空檔,給他們做了採訪。全部的監聽和外場系統都由Rat Sound提供;當地的場館再協助P.A.系統不足的地方。

照片右邊是外場工程師Ted Keedick,跟系統技師Jason Brandt,一起在Avid Venue Profile System前合照。Keedick說:「它的體積很小、界面簡單,而且我真的很喜歡它能和Waves plug-ins以及Pro Tools無縫地整合。我用面板上的DigiRack Mod Delay 2做大多的vocal delays, 還有在鼓上用ReVibe,如果有需要的話,也可以拿來做一些vocal reverbs。Waves軟體方面,我用RCompressor、Renaissance Axx,還有非常出色的C4!它真的可以幫助我去塑造,或控制任何你去加在上面的東西。唯一的outboard gear,是我們帶了一台Dolby Lake Processor來做系統EQ和陣列式喇叭。」他繼續說道:「兩個多小時的演出長度,每個晚上的內容都不太一樣,所以舞台上會釋放出很多、很多的能量!我只是保持仔細地聆聽,手放在混音台上,集中注意在我的cues上,並且確保我們能聽見每一樣樂器和歌聲。」

照片右邊是監聽工程師Martin Strayer,一起合照的是來自Rat Sound的系統技師Casey McDaniel,也同樣用 Avid Profile做混音,他說他試著去限制自己使用plug-in的數量,雖然他提及到,在Chris Cornell的vocal,使用了Bomb Factory plug-in做long delay。樂團也使用了d&B audiotechnik監聽喇叭。

Strayer說:「我們給Chris一支Telefunken M80當vocal mic,它有最佳的屏蔽,而且聽起來很棒!我已經做這行很久了,我能真心地說,他們是我共事過最棒的一群傢伙了。 敲算出Chris的long vocal delay,再將它們混進他的耳內監聽⋯⋯超有趣的。我好久沒有玩的這麼愉快了。」

Kim Thayil的吉他技師Josh Evans,也是Soundgarden的設備經理。Thayil的Mesa Tremoverb combo跟九十瓦的Mesa Eletradyne 4x12 cabinet,用Shure SM 57s收音。他的效果器包含T-Rex Tap Tone delay、Ibanez chorus、Electro-Harmonix Micro Pog、Hughes & Kettner Rotosphere、Dunlop/CAE wah、boost and distortion,以及一台Providence Pec-2 routing system

Chris Cornell的吉他技師Stephen Ferrera-Grand說:「Chris Cornell的舞台設備有做過一些變動。在Fox的時候,他的舞台設備是兩顆Savage Rohr 15 2x10-inch combo amps,以及一顆Divided By FTR 37 head和 2x12 cabinet。Fred Taccone是Divided By 13音箱的設計師,音箱也是他親手打造的,他更是該品牌的老闆。我們非常感謝他的產品和支持。

據爵士鼓技師Neil Hondt說,Matt Cameron的鼓組麥克風包含一對AKG 414當作overheads、 Shure SM81收ride、新的Shure 98夾式麥克風收toms、Shure SM57收小鼓、Shure [beta] 52和 91一起收大鼓,還有一隻Shure SM57用來收hi-hats。


貝斯技師Nathan Yaccino說:「Ben的設備由兩種音箱組成,一顆Mesa M6 Carbine,和一顆Ampeg SVT-VR。那顆Mesa傳送乾淨、不受影響的訊號,而Ampeg則是傳送較髒、經過他所有效果器染色的訊號。我們用一支Shure beta 98收Ampeg 8x10 cab的聲音。人們總是在問這個,因為它們通常用來收鼓組。Dave Rat,Soundgarden之前的外場工程師,曾經用這個來做貝斯收音一陣子。雖然Dave已經不再擔任他們的外場工程師了,但我們保留了這麥克風。它聽起來很棒!」


他繼續說:「Ben半數的效果器在他的效果器板上,另一半放在他音箱後方機櫃裡的托盤上。Ben器材的中樞,是一台 Radial JX44 Air Control。所有的器材設備都經過它的迴路。」


出處:http://mixonline.com/live_sound/tours/all_access_soundgarden/

2013年9月16日 星期一

Tunning Tips 翻譯

By John Riley 


每種類型的音樂都有它自己的聲音。不管是風格、聲學需求,還是音樂脈絡,都有助於塑造我們對於好聲音的概念。無論是什麼音樂類型,爵士鼓的調音原則都很直接了當;鼓最好聽的狀況,就是每顆鼓合乎自己適合的音高,並且和其他樂器聽起來和諧。

調音的第一步,就是要讓鼓皮的張力均衡。把你的鼓從架上取下,將它放置在桌上或地板上。這樣做,能讓你將要調音的鼓皮隔離開來。在你把新的鼓皮裝上之前,先將鼓身和鼓框擦拭清潔,去除殘留物。把鼓皮裝在鼓身上,再把鼓框裝在鼓身上。確認鼓皮和鼓框,都有跟鼓身對齊。

用手將調音螺絲轉到最緊。現在,用你的鼓鎖,把每根螺絲順著同一個方向轉緊。最好是能將鼓皮對稱著鎖,例如:從十二點鐘方向的螺絲鎖完後,再去鎖六點鐘方向的;然後再從三點鐘方向的,鎖到九點鐘方向的,諸如此類推算。在鎖完每一根螺絲後,去壓鼓皮的正中央,來幫助你校準。重複以上的步驟,直到你得到你想要的音高。

現在好戲上場了。用你的手指或鼓棒,輕敲鼓皮上離每一個螺絲約一吋距離的位置。聆聽每個點的音高。在心裡記下最高和最低的音。稍微轉緊音高較低的螺絲,放鬆點音高較高的螺絲。現在壓住鼓皮的中央。再敲一次;每一次可能都需要調整不同的螺絲。把音準較高和較低的點,朝中間值靠攏。不斷地調整,以及測試鼓皮的張力,直到鼓皮的音高平均。將鼓翻過來,對另一面鼓皮做一樣的調整。

為了迎合不同樂風的需求,有三種的調音方式是比較常見的。全都是用上述技巧來做調整,但會因上、下鼓皮的音高相互關係,而造成不同的結果。

當上、下鼓皮調整成一致的音高時,聲音會最為開放,共振最多。這樣子是標準的爵士風格調音。鼓組的整體音高,完全憑個人的喜愛來決定,但爵士樂鼓手通常偏好音高較高的鼓聲。

對於偏向流行樂、放克樂的調整方式,是將下鼓皮的音高,調成比上鼓皮小三度。這樣讓你的鼓有比較深沈的音色,並且有聲音微向下沈的感覺。

第三種方法,是將下鼓皮音高,調的比上鼓皮高。再一次的,距離小三度的音高,會產生較佳的效果。用這種調音方式,延音會較短,音色會直接反映給樂手或麥克風。

小鼓的調音也相當個人化的,但把每面鼓皮的音高調整好,並將下鼓皮完美地調成比上鼓皮低上四度音,會是個很好的開始。舊時代的鼓手,以及管絃樂團的鼓手會將他們的小鼓音高調成降B。

或許大鼓的調音方式,因風格的不同,而最多樣化。爵士樂鼓手喜歡開放的聲音、如toms般的共振聲,還有偏高的音高。流行樂、放克樂鼓手通常用低音高來演奏,單面鼓皮的大鼓,並且想要較強的起奏聲,和較少的共振聲。在打擊面放置隔音器材,可以消除共振,增加力道。

當我在大編制的樂團裡演奏時,我會把我的大鼓聲音調的很低,非常開放的音色-不做任何消音。在小編制的樂團裡,我會將音高提高,還可能在打擊面外側貼上一張2×2吋的紙巾。我還會調整我的大鼓音高,去幫助融入不同的貝斯。和木貝斯演奏時,我發現較低,且共振多的音色最合適。因為電貝斯會有較多尖銳的聲音,所以我會傾向將我的大鼓做些隔音,作出比較尖銳的起奏聲。

有一點值得細心注意的是,你所演奏的空間聲響;調整打擊力道和音準,能幫助你得到一個較好的結果。我想要我的鼓不但在舞台上好聽,也要從觀眾席聽起來一樣好。我有注意到從觀眾席上聽到的鼓聲,似乎會比舞台上的鼓聲來的深遠些,所以我就會把鼓的音高調得高些,好獲得我想要的「外場」鼓聲。

不論你的鼓皮選擇是什麼,霧面或亮面、單層或雙層,這些調音方式和聲學概念是真真確確的。用不同的調音方式實驗,嘗試使用不同的鼓皮組合,能幫助你找到屬於自己的音色。想知道我近期的Remo鼓皮組合,可以上我的網站www.johnriley.org

調音是件冗長乏味的差事,但我知道,當我的樂器聽起來很悅耳時,我會更願意去練習、演奏。花些時間調音,並且找出最適合你的鼓聲。祝你好運。


原文網址:

2013年9月4日 星期三

Jim Scott談錄製嗆辣紅椒的加州掏金夢

JIM SCOTT: Recording Red Hot Chili Peppers' Californication

Interview | Producer


嗆辣紅椒的回歸專輯獲得巨大的成功-難以置信的,這唱片幾乎是單聲道的。錄音師Jim Scott對記者講述有關錄音的過程,和團隊是如何製作和混音的第一手資訊。


已經有很多跡象顯示,《Californication》專輯在全球銷售出色,它是樂團最暢銷的專輯,在澳洲、紐西蘭、加拿大、日本,以及美國都達到白金銷量;而在英國和大多歐洲國家更是得到了金唱片。在公開的資訊裡,這專輯名稱的由來,是源自主唱Anthony去婆羅洲遊玩的見聞。他很訝異看到當地的文化,被來自加州的象徵物給滲透了-不論是可口可樂、萬寶路、好萊塢電影,或是T恤、海報、像嗆辣紅椒一樣來自加州的樂團的卡帶和CD。《Californication》,理所當然地成為有先見之名的美妙專輯名稱,而這樣的雙關語,也相當搭配樂團他們辛辣的歌詞、狂野的舞台動作,和有明顯性意味的音樂錄影帶。

當然,這隻來自洛杉磯的放克/搖滾/饒舌樂團已經嘗過走紅的甜蜜,他們早在1991年發行Blood Sugar Sex Magik專輯時,就已躍上國際舞臺了。那也是他們頭一次和傳奇製作人Rick Rubin-製作過Slayer、Danzig、the Beastie Boys、AC/DC,而近期常和Donovan、Johnny Cash、Tom Petty等人共事-合作的經驗。在1995年,他再一次的幫助紅椒們做《One Hot Minute》專輯,但在這次之後,樂團內的人際關係降到谷底,他們的吉他手John Frusciante墮落至踏上沾染毒品的自我毀滅途徑。

四年後,幾個近乎奇蹟的事情發生了。Frusciante,讓人很難相信他能有機會活下來的人,現在戒毒成功了。他裝上了一組新的假牙,手臂上移植了一些皮膚,顯然地,他還記得怎麼彈吉他。更甚的是,他和主唱Kiedis、貝斯手Flea、鼓手Chad Smith一起讓紅椒復活了。他們致力於新專輯的創作,用觸動人心的旋律,點綴他們的高能量搖滾樂,像是〈Scar Tissue〉就已經成為一首賣座單曲。Rick Rubin也再度坐上了製作人的位子,還有來自洛杉磯的錄音師/製作人,Jim Scott親自操刀錄音、混音。

像Rubin一樣,這位現年四十七歲的Scott,他的名字也出現在一長串的合作名單上:他和 Natalie Merchant、Lucinda Williams、Counting Crows、Tom Petty、Neil Young、the Rolling Stones、the Finn Brothers、Robbie Robertson、Sting、Santana、Seal,和Jewel。Scott對於捕捉紅椒的聲音和活力,做得出類拔萃,因而製造出一張強硬、粗獷音質的專輯。如果你有仔細聽這張專輯的話,你會發現有幾件古怪的事:大多的歌都是美好、復古的單聲道,而且用了極少的殘響效果。這樣產生了非常結實、有力的聲響。

大聲又清楚


Jim Scott在他洛杉磯的家中受訪,他更是樂於透漏有關專輯製作的細節,像是其他工程師通常不願泄漏的事。他回憶道:「故事從頭說起,在John Frusciante回歸之後,樂團埋首於創作和重新熟悉音樂好長一段時間。1998的夏天,樂團都在Flea家的車庫練習,當他們進到錄音室時,他們都已經做好了萬全準備。他們剛開始錄音的時候是跟另一位工程師合作,但一週之後,他們覺得沒有得到理想的聲音。在幸運之神的眷顧下,我曾在一家位於洛杉磯,和他們相比鄰的錄音室裡工作,叫做Cello Recording(前身是Western Recorders)。所以Rick叫我進來摻一腳,就像之前我為他工作一樣。在我開始跟他們一起工作之後,紅椒們對於錄出來的聲音感到非常開心,但我所做的,不過就是簡單地,將樂團在房間裡彈奏的音樂捕捉下來而已。我們在一週內錄了三十首歌,表示我們用了大量的盤帶,以及做了大量的演出。但他們彈奏的很棒,所以唯一要做的事情就是,好好把他們錄下來。在錄音過程中唯一可能會有變動的,就只有歌曲結構而已,但Rick有他和樂團做事的一套方式,而且樂團真的很信任他的意見。

「我們同時錄他們四人,這張專輯的聲音基調就是如此。John會做些吉他疊錄,大概只有疊兩、三軌在某些歌吧,在疊錄的世界裡,這樣不算太多。像在〈Scar Tissue〉疊錄的滑奏吉他就是個例子。我不認為他有回錄音室再重新錄製一些吉他軌,而Flea大概只有重錄了一些段落。我們還加了一些AC/DC式的強力和弦鋼琴在混音中,但那並不是一層又一層的疊錄。這張專輯的聲音,就是我們在第一週所錄下的。那些『現場』的鼓聲、貝斯和吉他,貫穿了每一首歌。」

據Scott所言,在Cello Recording做這張專輯,有另一個重要的因素。他之所以喜歡在這邊錄音,是因為『這裡有全世界最棒的搖滾樂麥克風收藏,而且他們收集了舊的Neve consoles和舊式類比盤帶錄音座。』他們在Studio 2錄音,一間尺寸中等的長方形錄音間,能讓聲音集中、飽滿。Scott再詳述:「鼓組設在房間的正中央,架在升降台上,還有一間大間的隔離房間,我們把John跟Flea的音箱放在那,只是為了將它們與鼓間隔開。我們做了一個狗屋把貝斯音箱隔起來,可以避免被吉他音箱干擾。但串音其實不是那麼大的問題。在我的經驗裡,只要你至少有將它們隔開些,就不會是個問題了。那裡還有個小的獨立收音間,錄Anthony唱歌。

「Flea、John和Chad大約以離彼此十英呎遠的距離,形成一個小圓周,而Anthony在十多呎遠的收音間裡,可以透過玻璃看到大家。他們都可以沒有障礙地看見彼此。鼓組沒有架反射板,所以房間內轟隆震天。我架了兩隻room mics,但我沒有使用,所以鼓聲聽起來很近。Chad有套很好聽的鼓組,你可以在他的律動中聽見動態和細節,所以我只要把它忠實地錄到盤帶上就好了。對於Flea也是一樣的,他有很出色的彈奏技巧-即使他彈得很快,你也可以聽見所有的音符。因為他們都彈奏的很出色,再加上我錄音的方式,整體的聲音很乾、很有力。每個聲音都既大聲又清楚。」

打鐵趁熱


所以,那Jim實際上是怎麼收音的呢?這個問題通常會使工程師保持緘默,因為他們會想保護他們的商業機密。也許他們是想藏招,亦或者他們只是比較喜歡談論這差事的概念,這份需要同時兼備技術面和藝術面的工作。Scott過去曾拒絕回答這問題幾次,但那都不是什麼特別的案子就是,而現在他卻開心地侃侃而談:「為了要得到緊繃又趨前的聲音,你必須把麥克風架的離鼓組非常的近。不能收到太多房間的聲音。在某些唱片,最需要的就是房間的聲音,你就能得到像齊柏林飛船那樣的鼓聲。但Rick偏好又大又前面的聲音。如果麥克風可以架在距離只有一呎的地方,他是不會想要架在距離三十呎的地方的。麥克風的配置非常基本,就像八零年代時我在The Record Plant錄搖滾樂一樣,沒什麼特別的。」

「我用Neumann U47收大鼓,把它放進裡面。用兩隻Sennheiser MD421收toms,兩隻Neumann U87作overheads,還有一隻Shure SM57收hi-hats。小鼓是用兩隻SM57收,一隻收上面,一隻收下面,上面還多加了一隻Neumann KM84,讓我可以做好麥/壞麥組合比較:你可以在兩者之間找到理想的音色,也能得到明亮、飽滿的聲音。 這三個小鼓麥克風最後會併成一軌。在小鼓下方的SM57能給我較多的咯咯聲。特別是在一些靈魂抒情歌裡,這小鼓咯咯聲真是美麗,但Chad打的有點太快而讓這聲響多了些。我們在房間還放了第二套鼓組,完全不同的音色,是套拼湊出來的、又特大尺寸的鼓組。我們在《Porcelain》這首歌用上它。這套的小鼓有更多的咯咯聲,鬆軟的大鼓聲,再加上嘶嘶作響的銅鈸。為了作出自然的效果,加進了很多房間聲響。我拿剩下的麥克風來收這套鼓。我記得我用一隻SM57收小鼓,Electro-Voice RE20收大鼓,兩隻RCA77 緞帶麥克風收整套鼓。我也用了一對Neumann M50架在房間裡收兩套鼓組的環境音,雖然我有用它們收音,但最終沒在混音中用上。」

Scott再敘述有關吉他、貝斯、以及人聲錄製的細節:「貝斯過DI進到混音臺,我同時也用Nemann U47真空管麥克風錄他貝斯音箱的聲音。我通常把DI和麥克風兩種訊號50-50的比例混在同一軌。我發現貝斯,能有那種在空氣中移動的聲音是很重要的。再者,有時候貝斯的拾音器會傳出些失真聲音,但它經過音箱之後傳出來比較好聽些。吉他方面,我用了兩隻SM57和兩隻U87麥克風,各取一隻成對分別用在兩個音箱上-再一次,好麥/壞麥組合。四隻麥克風全併到同一軌,它們凝聚在一起,會成為一個正點的吉他巨響。」

「Anthony總是用SM57來錄他的主唱。我們把它架在麥克風架上,但我確定他把麥克風拿在手上,倚著它並吞著它唱。這就是怎麼錄他的聲音的。但意味著,去壓縮他的聲音非常地重要,因為要保護盤帶。和聲有百分之九十都是John唱的,雖然Flea跟Anthony也會唱一些部分。大多時候我都是用U87來錄John和Flea,但有時,John突然有主意想快速地嘗試一下時,我就讓他用Anthony的麥克風錄。經過多年的體會,我發現,當你有好聲音可以錄下來時,你很難從不同的麥克風來分出優劣,只管把那好聲音錄下來,把事情解決就是了。你不是每天都待在錄音學校-打鐵趁熱,把主意及時錄下,要比那來得重要多了。」

魔術


當Scott開始擔心他是否透露太多細節時,他便著重在談論,其實他真的在做的就是把樂團一齊演奏的聲音給錄下。他用真誠的語氣讚歎著:「這些傢伙真的是很出色的樂手。我看著他們的潮起潮落,現在的他們正值最棒的時期。我想他們現在應該是當代最棒的樂團。整個樂團為這張專輯貢獻了他們最好的表現,這真的太棒了。Anthony大約每天下午三點鐘會到場準備,通常在四點左右開錄vocals。他有歌唱老師每天陪同他來,陪他暖嗓,所以他唱得很好。我想這是他有史以來唱得最好的一次。我們有留下一些Anthony在第一週所錄的live vocals,但他是唯一一個回來重錄很多東西的人,大多是因為他的歌詞更新了。我們在同樣的小隔間裡錄他的聲音。Anthony每天會唱三或四個小時,然後我們再從中挑出最佳的部分。Vocal的錄音大約進行了兩週。整個錄音過程大約花了五週時間,隨後再花個幾週時間混音,因為Rick不是很有空去聽這些混音。」

所以樂團聽起來很棒,而且麥克風配置就只是『基本』的搖滾樂編制。那訊號鏈跟效果器方面呢?Scott:「整張專輯都是用一台七零年代的Neve 8038混音臺,錄進一台Ampex 124 24-track,這些機器在世上已經沒有幾台了。它們真的都是舊機器,聲音很棒。我們沒有使用杜比環繞音效。我們喜歡嘶聲。嘶聲是我們的朋友。去聽任何一張The Who的唱片,都聽得到嘶聲。那台Neve有很好的麥克風前級,所以我就用它們。所有其他廠牌的麥克風前級都想要變得像Neve的一樣。這台特別的混音臺有Neve 1073 EQ,我在錄音時用了一點。在錄音間聆聽和在控制室聆聽有極大的差別:在錄音間,那裡有五百瓦的吉他音箱在他們腦後咆哮著;而在控制室,那裡只有從六吋高的喇叭傳出同樣的聲音而已。所以你得把所有聲音擺在它對的位置,並讓聲音聽起來感覺很好又正確。方法就是去用EQ、壓縮器,或用任何你能拿來用的東西把它搞定。」

「為了讓聲音在控制室裡聽起來很好,我在電吉他上加了很多中頻,在1kHz到2kHz之間,也加了很多低頻。Neve EQ提供你56Hz和100Hz可以調整,所以大概是100Hz吧。幫吉他加低頻很好,因為在激昂聲響的裝扮之下,聲音容易變得小又瘦。也許你可以很容易地就能聽見它,但它不會再那麼大了。John彈奏得非常大聲,理所當然地造成了音箱的壓縮,但我也在錄音時用一台Urei 1176壓縮John的吉他。我沒有用的太多。大多的聲音都來自他的指間。他用了一些效果器,但他實在不是個效果器魔人。他是從吉他、導線、音箱開始的。我們從未為了他設定聲音而等待過。他對於聲音動態的控制能力實在是太驚人了。像是〈Get On Top〉這首歌,他的吉他會在瞬間從巨大的聲響變成瘦小的聲音。而那幾乎在現場錄音時就已經完成了,而不是我去調整的。這是讓這張唱片,之所以這麼簡單可以錄好的原因。」

「Flea也是一樣。專輯中開場歌曲的失真貝斯,就僅僅是他去敲貝斯而已。我沒有做任何更動。Flea從不去更改他貝斯的任何設定,整張專輯就用同一把琴錄,除了〈Road Trippin’〉,他彈了一把木貝斯。我用LA2A真空管壓縮器去壓縮他的DI和音箱。我想我沒動太多EQ,除了加一點在56Hz附近的低頻。我不記得有為了清晰度,加了任何中頻或中高頻,因為他聲音本來就很清楚。」

不復古


「再來說錄vocal和鼓,因為Anthony幾乎快吃了麥克風,所以他動態過分的大,Scott解釋他用在Kiedis vocal的Urei 1176壓縮器:「大家都用這台。雖然我做的唱片聽起來可以很激進,但我不會做過度的壓縮。我用原廠設定,4:1 ratio,快的attack、慢的release還有足夠的壓縮量來完成工作。我把他的vocal跟壓縮印在一起,它很輕易地就成為了聲音的一部分。我錄鼓的時候用了大量的EQ。就像經典的老搖滾一樣。我想你可以在很多的搖滾鼓聲中找到API EQ的身影。你會加很多的5kHz和100Hz,那是鼓組聲音主要的地方。我是用Neve EQ,也是用同樣的概念。我加了很多低頻到大鼓和toms上,大約是在50Hz左右,還加一些高頻到小鼓和銅鈸上,剛好能讓聲音變美就好。」

從很多方面來說,錄製《Califonication》像是用一些六零、七零年代所發明的技巧完成的。但,再探討得深一點,這專輯其實不是全然用復古方式製作的,而是也加上了現代的工具所完成的。這麼說的原因,最明顯的就是,他們最後用了48軌。讓專輯的基底是由三個人在房間的彈奏,再加上一些樂器疊錄所打造的。Scott:「我最終用了兩台Ampex 124同步工作。其中一台其實是用來做vocal的子帶。主要的那台上面有十軌的鼓聲:大鼓、小鼓、stereo toms、 stereo overheads、hi-hats、stereo rooms,而且我通常也會印出一個壓縮過的鼓submix-它會讓rough mixes聽起來更興奮些。那上面也有些打擊樂器,像是鈴鼓之類的。第二台24-track讓我們能放很多、很多的主唱跟和聲。然後我們把這些音軌轉到Pro Tools,好能夠對聲音做些實驗、剪輯、移位和存檔。這樣做vocal合成,比在類比設備上作來得快太多了,特別是當我們想要將一些嘗試做給Rick看的時候。你可以掌握聲音的全貌,所以你可以再將聲音恢復成原來的模樣。

大單聲道


提到Pro Tools,特別是在Cello Recording使用的時候,一個充滿經典舊機器的環境,挑起了數位對上類比的爭論。Scott發覺這樣的辯論根本是浪費時間:「我偏好類比,但我能用任何的方式做我的工作。我會用任何的工具。我想你若堅持全都使用數位,是在給自己找麻煩,但我們使用Pro Tools時,可以讓判斷好壞的決定做得更快。」

Scott顯然地站在務實派的那邊,而非理論派的那邊,這從他為這張專輯混音的方式可以看出端倪,大概是因為大多的歌曲既乾又是單聲道。對現在來說,這麼做是個既勇敢又非常瘋狂的事情,但他還是為這張專輯贏得成功-不過,華納兄弟也許會在把它轉成5.1環繞聲道上有些困難!Scott從頭開始描述混音的過程:「我們的初衷就是因為盤帶聽起來很棒,打從第一天開始就一直很棒,所以我們沒有任何理由要去改變它。所以我不用在混音時去修飾些什麼。我需要做的就是讓音樂保持平衡,並且讓它真的夠大聲。所以這混音很輕鬆。我主要考慮的是去正確地建構這些音軌,那這樣一來每個和聲都能順利地變大聲,而且歌曲中的高、低潮動態會更大。我在洛杉磯的The Village用Neve混音臺做混音的,還用了Flying Faders Automation。我用兩台24-tracks來跑混音,這樣還可以恢復到原始的音源。最後,我們用最佳的位元率把它bounce出來。」

「混音幾乎是乾的。我沒加任何殘響,其它的效果也只加了一點點。我們用了一台『human compressor』在vocal上-我們把手指放在上fader上-確保Anthony能保持在混音中。對此,automation是個理想的幫手。我也沒做太多的re-EQing。我們已經有很刺激的鼓聲了,所以,我們幹嘛還去改變它?我用了很多的Neve 33609壓縮器在音樂整體的立體聲混音,為了增加些力道,而且我也加了一點低頻和高頻到整體的立體聲混音裡,只是為了讓它能更hi-fi些。紅椒的唱片必須要生氣蓬勃且放克,而且你如果試著讓他們聲音變得太大的話,唱片就毀了。如果你增加很多的低頻,你就能讓唱片慢一點,那音樂就會開始慢慢的成型。我們混了很多種數位形式(Apogee DAT、正規DAT、96K DA88)和類比雙軌,做過比較之後,最後選擇了30ips類比雙軌,沒有杜比效果。」

那接下來呢,Scott先生,想當然專輯大部份都是單聲道的,除了toms和疊錄的吉他、還有〈Road Trippin’〉Chamberlin鍵盤發出的Mellotron式音色?這位美國人笑說:「沒錯!乾效果和單聲道,這是張大膽的唱片!單聲道讓音樂變得更大聲。我想Rick決定他不要唱片裡有聲音會突然從左聲道爆出來。我們怎麼可能會想要這樣呢?我們只想聽到歌曲而已。我們試過panning吉他到左、右聲道,但無論我們怎麼做,都像是:『它置中最好聽,就讓它留在中間吧。』如果有些很棒的吉他樂句出現時,它可以就疊在vocal後面。這張唱片是貝斯、鼓、吉他和一位歌手做成的。它沒那麼複雜。所以它用一個大單聲道聆聽是最棒的。」

不插電,但仍然嗆辣⋯⋯

Californication〉裡面的聲音大多都是插電的樂器,但在〈This Velvet Glove〉和〈Road Trippin’〉這兩首歌裡你可以聽到木吉他。此外,還有一些前述有說到的鋼琴音軌。Scott描述到:「我錄木吉他通常是用一支Neumann U87和一隻AKG C452,又是好麥/壞麥的概念。你不想要麥克風靠得太近,因為聲音會太轟,所以我把它們架在兩呎之外。指向音孔之上或之下-除非你想要像〈Jumpin’ Jack Fish〉那樣的聲音,不然木吉他的聲音就是要漂亮。我會把兩隻麥克風併在一軌。我們是在洛杉磯的The Village混音時錄的鋼琴。我們想要像披頭四〈A Day in the Life〉那樣子的東西:一隻麥克風壓縮得很兇,讓聲音有穿透力。我用一隻U87,不會離鋼琴或風琴太近。我們想要有很多的鈴鳴聲,而且我們用EQ和壓縮器得到很多attack,實際上就是用一台Urei 1776,加很大的input gain,再加上非常慢的release time,這麼一來,甚至連延音都變得很大聲。

原文網址:http://www.soundonsound.com/sos/dec99/articles/jim.htm