2013年10月3日 星期四

適合Stratocaster的音色電容器〈 第四集〉

Tone Capacitors for Stratocaster, Part 4

Dirk Wacker
June 16, 2010

哈囉,歡迎回到「改裝車庫」的〈適合Stratocaster的音色電容器〉最後一章。我也會花點時間,來為我們那音色電容器之謎的故事做結。

在收到從鑑識實驗室寄回來的Orange Drop電容器之後,我拿了一顆六零年代的Sprague高電容陶瓷電容器庫存品換給客人,讓這把Strat能和六零年代的原廠設定更接近。我們的客人非常高興,他現在仍把這琴當做他的第一武器。我留著這顆Orange Drop電容器,好去做更多的測試,也當作是上了一課的紀念品。

不幸地,像這樣的情況-沒人能告訴你這樣的運作是怎麼一回事-真的很困擾我。我們已經找到問題所在,也解決了,但並不是在一個樂觀的情況下。所以我決定向這難解的聚酯膜-箔式電容器世界挖得更深些。

重頭來過:我們有一個一百伏特的Orange Drop聚酯膜-箔式電容器,之前是Sprague公司製造的,現在則是SBE公司用原來Sprague的工具和製造方法製作的。這些電容器的做法,是用絕緣材料製成的一條長細片,再加上一條金屬箔片製的細片放在它的兩側。這兩張箔片就成了導體的金屬板,以及絕緣體和電介體。這條長細片再來會被捲成圓柱狀,兩端的金屬頭會接觸到兩邊的箔片,整個結構就會被包住密封,用某種設計來保持導體乾燥,並使導體運作穩定的材質。既然導體試捲成圓柱狀,箔片有一面就會在外側(稱為「箔片外側」末端),而另一面就會在內側(稱為「箔片內側」末端)。

標準的聚酯膜-箔式電容器沒有像電解電容器那樣的定向問題,所以,理論上來說,它們安裝在吉他上的方向不會對音色造成任何差異才對。所以,為什麼它不會造成音色上的差異這點這麼重要呢?這樣說吧,箔片外側可以用來隔絕電場耦合進入導體-這對真空管音箱非常地重要。為了讓箔片外側的隔絕效果良好作用,電容器連接電路必須要用特定的定向,也就是音箱電路的低阻抗側。

在被動式吉他電路裡,並沒有低阻抗側,因為我們是拿電容器來當作接地的bypass電容器。所以,在這種情況,箔片外側必須接在接地側。箔片外側將會成為一個隔絕層,來隔絕電場耦合進入導體,所以你會希望它是用最低阻抗的迴路去接地。依著這條原則,並將所有的電容器都照此方式連接,真空管音箱就不會輕易地被冷光燈發出的電磁波所干擾,或產生哼聲,被振動影響,還是被音箱附近的訊號干擾,而產生不必要的回授。

所以,我開始在不同的吉他裡,反轉它們的音色電容器。出乎意料地,我發現了以下幾點:

  • 有一些吉他,如果你反轉它的電容器,音色上會造成很大的不同,但有些吉他則不然-天曉得是為什麼!Stratocaster似乎是最容易出現這種狀況的,再來是Telecaster,然後才是Les Paul。

  • 因為它們的結構,單層的電容器,像是陶瓷電容器或銀雲母電容器都沒有外層的箔片,所以反轉這些電容器不會造成差異。高伏特的聚酯膜-箔式電容器也是一樣。

所以你也許會問,他說這些到底是為了什麼?我只是想鼓勵你張開你的耳朵!如果你有一把聲音很好的吉他,插上音箱卻很難聽,在你開始抱怨你的拾音器,並且打算花上大把銀子買組新的之前,試試看反轉你的音色電容器。

很不幸地,辨識電容器的箔片外側並非易事。有些電容器會做上標記好區分,但因為這項作業會花上很多時間,大多的製造商都不會這麼做。為了破除網路上的謠言,我問過一位SBE的工程師,他以前也在Sprague工作。他說不論是Sprague還是SBE,他們都會在Orange Drop電容器上做標記!(他也說未來有計劃,要將提供這項服務,當做客製化生產的一個選項。)

據同一位工程師所言,你所看到的舊Sprague Orange Drop電容器上,那條紋狀的標記,是因為當時Sprague所使用的製造過程而產生的。不管那是什麼意思。我交叉比對好幾個舊Sprague Orange Drops,來確認條紋狀記號,並不是箔片外側的指示。

如果電容器上沒有標記呢?為了找出箔片外層面的連接點,你會需要一些知識,以及一個好的顯微鏡。我沒有篇幅好詳細解說測驗的過程,但如果你有興趣的話,寄E-mail給我。這麼說吧,反正也只有兩個電極,你有50%的機會,讓你的吉他起死回生。

這故事的寓意?如果你喜歡改裝吉他,而且你的吉他是裝Orange Drops、Mallorys、Roedersteins、WIAA,還是任何類似的電容器,聆聽吉他插上音箱的聲音,將電容器反轉,再聽一次。只要你不是用單層的電容器,或是高伏特聚酯膜-箔式電容器,說不定你會聽到不一樣的音色。誰會知道呢-也許你會重新發現,你那把因為音箱聲音表現不好,而被遺忘許久的老吉他。

下個月,我們會回到Straocaster的改裝上,我會詳述一個很酷的改裝方法叫做「老式線圈吉他導線模擬器」。在那之前,繼續改裝吧!


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Dirk Wacker 

Dirk Wacker住在德國,打從五歲起就被各式各樣的吉他吸引。他沈迷於任何有關舊Fender吉他和音箱的事情。空閑之餘,他在兩個樂團裡彈奏鄉村樂、鄉村搖滾樂、衝浪音樂,和納許維爾式音樂。他在當地兼職做錄音室樂手,也在一些吉他雜誌寫專欄。他是個吉他、音箱、效果器的重度改裝迷,並且經營一個關於這些事情的網頁 singlecoil.com

2013年10月2日 星期三

適合Stratocaster的音色電容器〈第三集〉

Tone Capacitors for Stratocaster, Part 3

Dirk Wacker
May 18, 2010

哈囉,歡迎回到改裝車庫。我要告訴你一個幾年前發生在我身上的故事,來作為這Strats音色電容系列文章最終回的開始。我保證這是真的。希望你讀過文章之後不會把我釘上木樁-這跟超自然現象無關,真的!

有一個我們的客人,來自瑞士的職業吉他手,打電話來說他會帶一把他幾天前買的vintage吉他過來,因為「電子零件有些不對勁」。當他抵達,打開了琴盒:一把引人注目的1962 Stratocaster!這吉他顯然已經被彈奏了很長一段時間了,但它的狀態仍是不錯。之前的主人說它聲音不太好,所以用很低的價錢拋售它,而我們的顧客無法拒絕這麼好的交易。

一瞬天堂,一瞬地獄

我將它從琴盒拿出,調音,在沒插電的情況下彈了一些和弦跟樂句。我吃了一驚:這是我彈過琴身共振最好的電吉他了!整個琴都產生共鳴-從琴身的尾端,直到琴頭-你去碰琴頭,甚至可以感覺到音符的震動。它的泛音似乎都要跳出吉他之外了。我正處於彈奏的天堂。

然而,吉他插上音箱之後,我徹底的失望了。它並不難聽-音色仍很Strat-y-但它跟夢幻兩字可差得遠了。我聽不見任何一流質感的聲音。它聽起來很普通。你應該知道,買了把vintage吉他並不代表會有很棒的vintage音色。許多年來,我見過很多從黃金年代生產出的吉他,所以我以為它會是其中之一。我再用很高品質的導線,將它插入我的1959 Bassman,結果還是一樣。我同意這位客人說的,電子零件方面應該有些問題。在把琴弦卸下之後,我們打開之後發現,大部份的電子零件都還是原廠的。有一個更換過的音色電阻,一顆Orange Drop音色電容器,還有一條新的接地線,連接顫音室和音量電阻。就這樣,沒什麼特別的。電阻會在長時間使用後損壞,焊線會斷,更換音色電容器這些都沒什麼不尋常。拾音器、切換關開、接線、其他兩顆電阻,以及輸出插孔都是原廠的。

奧林匹喀(pickup)交換測試

我的下一步就是把護板拿掉,包含輸出插孔,再放上一個已經焊接好的護板,我們用來作為參考的比較。這個護板上裝了標準配備像是CTS電阻、一個CRL 5-way switch,還有一組Fender 57/62拾音器。目的是為了做一個一般品質的護板作為測試-不會太好,也不會太糟。在接上每樣東西和裝上琴弦之後,我們將吉他插上導線,結果它好聽的不得了!還沒調整拾音器高度,聲音就好的難以置信。非常透明、有力,而且囊括了所有我們喜愛的vintage吉他特性。我們的客人完完全全被這把吉他的聲音所震驚,我們花了一些時間才讓他把吉他放下。你們都懂這個特別的時刻-第一次彈奏、聆聽你的新吉他。那總是讓你的臉上漾著大大的微笑。我猜你們都知道接下來發生了什麼事⋯⋯經過一些調整之後, 我們用來測試的護板就繼續裝在吉他上,借給他,好在我們檢查、修復原來的電子零件時,可以繼續使用。


CSI犯罪現場: 德國

為了重新檢查每樣物件,我把原來的護板暫時性地裝到一把我們用來做測試用的吉他,一把墨西哥製 Fender Standard Stratocaster。測試後結果還是一樣。音色一般,沒有個性。我為這護板拍下一些高解析的照片,作為組裝的參考,接著把護板上的零件拆出,一樣一樣測試。一旦確定拾音器是好的,我就把它們焊接好,一個接著一個,直到最後的輸出插孔。它們都聽起來很棒。很明顯地,拾音器都沒有問題。所以,錯誤應該是出現在接線、接換開關,或是可變電阻。在把東西都脫焊下來之後,我測試了全部的焊線。它們似乎都沒有問題。切換開關也是一樣,可變電阻、電容器也都是好的。在重複檢查一次之後,我決定把零件重新安裝一遍,並且逐一更換檢查錯誤。在小心翼翼地重新組裝好後,我突然像被擊中了眉心一般:我將護板裝在我們測試用的Strat,它的聲音聽起來飽滿又漂亮-帥慘了。我試著去複製錯誤的狀況幾次,但都失敗了。這吉他聽起來太棒了,但我毫無頭緒為什麼這樣。

我依著照片比較焊線和零件的安裝,但看不出端倪。我甚至為所有焊線作上記號,再將它們裝在同樣的位置上。

好的,這樣的事情總是會發生。最重要的事,是錯誤已經排除,我的客人一定會滿意的。但這個無解的現象困擾了我。我讓吉他擺上幾天,然後再仔細地跟照片比較一遍。終於抓到了:我之前都沒有注意到-因為這不該造成差異的-但我是將音色電容的面朝上安裝(所以你可以閱讀它上面印的字,這會讓事情好辦些,因為你可以清楚地看到電容量)。在原來的結構裡,這顆電容器是面朝下安裝的,所以它是一百八十度反轉的。我並沒有注意到,是因為Orange Drop電容器是聚酯膜-箔式電容器,它沒有像電解電容器一樣的定向問題。所以它們的安裝方式應該對音色不會造成任何影響。既然這是我所判斷的唯一異同處,我決定再一次地測試我的發現。我將電容器反轉,就像它原本一樣的安裝方式,我幾乎很難相信:我將吉他插上導線後,那個平庸的聲音又回來了!就像是它的靈魂又被抽離了一般。

將Orange Drop送去鑑識實驗室

我懷疑這電容器是瑕疵品,所以我用多功能數位電表,以及顯微鏡測試它,但我仍找不到問題所在。我把它送去我一個在當地大學實驗室上班的朋友那,他做了幾次密集測試,也還是找不到任何不尋常。它的狀況很好。

為了避免你的電容器也發生一樣的問題,請鎖定下個月的專欄。


在那之前,繼續改裝吧!


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Dirk Wacker 
Dirk Wacker住在德國,打從五歲起就被各式各樣的吉他吸引。他沈迷於任何有關舊Fender吉他和音箱的事情。空閑之餘,他在兩個樂團裡彈奏鄉村樂、鄉村搖滾樂、衝浪音樂,和納許維爾式音樂。他在當地兼職做錄音室樂手,也在一些吉他雜誌寫專欄。他是個吉他、音箱、效果器的重度改裝迷,並且經營一個關於這些事情的網頁 singlecoil.com



出處:http://www.premierguitar.com/articles/Tone_Capacitors_for_Stratocasters_Part_3

2013年9月18日 星期三

適合Stratocaster的音色電容器〈第二集〉

Tone Capacitors for Stratocasters, Part 2

Dirk Wacker
April 15, 2010

哈囉,歡迎回到「改裝車庫」。在繼續我列你該試用在Strat上的電容器清單之前(見Part 1),我有些話要說,是有關前些年突然在市場上出現,並且很受歡迎的Luxe復刻電容器 (luxeradio.com)。這些複製品,是去忠實呈現舊的vintage電容器外觀,這些人真的做得很出色。我拿了一些放在我的工作台上,並小心地和原始型號做比較。在外觀上確實難以分辨-它們真的很像五十年前的電容器,它們甚至在觸感和嗅覺上都像。但請銘記在心,它們是複製品,所以它們的音色不會像原始型號一樣。如果你只是想要有仿舊外觀的電子零件的話,這樣子是很不錯。別誤會了,那些在 Luxe Radio & Musical Instrument Co.工作的人,是盡心盡力地要使他們的電容器聽起來像是原始型號沒錯的,所以他們用了同樣的結構。這麼說好了,Luxe Bumblebee復刻電容器是,由俄羅斯軍方提供,有著仿舊外觀的Vintamin Q油浸紙質電容器的庫存新品。這些電容器聲音很好,但不完全像舊的「Bumblebee」或「Black Beauty」。

OK,所以繼續列你該試用在Strat的電容器清單吧。

Silver Mica 

銀雲母電容器是雲母做的電介質,再做過浸泡式鍍銀而製成的,名字也是因此而來的。現在的銀雲母電容器很容易辨別,因為它在身體中間有個典型的凹陷設計。銀雲母電容器的庫存新品通常是平坦、矩形的外觀。它們很容易可以在高品質的音箱和效果器內找到。它們也常被裝在音量鈕上當作hi-cut用,如果你能找到正確的數值,也能當作音色電容器用。高電容量的Silver Mica電容器通常不好找,又大顆又昂貴-但還是值得你一試。它們的聲音很出色,對聲音沒有任何的染色。它們會大大地改善吉他的音色,因為它們低訊號耗損的設計,會改善高頻和清晰度-作為tone circuits、tone stacks、濾波器而言,它們真的是最棒的。有個很好的銀雲母電容器替代品,就是我上個月提過的Styroflex電容器。它們的體積更小,因此更容易當作吉他電容器使用。

Paper-in-Oil (aka “PIO”) 

Jensen、Sprague(Vitamin Q)、Mundorf,還有其他幾家公司都有做這些電容器,常常可以在high-end或hi-fi設備,像是電源供應器、 decoupling stages、揚音器的分音濾波器裡找到,在高級的吉他音箱裡也會有。它們非常昂貴,但很多人都為它掛保證。當然,如果你吉他的電路室夠大的話,你可以裝看看。這些電容器使用油浸紙來做電介質材料,這樣子阻尼會很好,音色會很透明、滑順、清晰、強勁、自然-頻帶會很寬,失真度會很低。五零年代非常早期的Sprague Bumblebee電容器就是PIO的,因為外觀上的斑點,所以很容易分辨。市面上有大量的PIO庫存新品在流通,它們有卓越的品質-有的甚至是軍事等級的-而且它們通常比Jensen或其他廠商做的電容器還便宜。

Mullard/Philips C280 “Tropical Fish” 

Mullard/Philips C280電容器,又稱熱帶魚電容器,因為它的彩色條紋而得此名。它是在六零年代晚期出現的聚酯膜電容形式電容器,你可以在那時期的真空管音箱和效果器看到它的身影。它也是個神奇的哇哇踏板用電容器。所以,它是你把你的現代哇哇踏板,轉換成vintage音色踏板的門票。「熱帶魚」這個詞,常常會讓人把它跟大黃蜂電容器搞混,但這是個顯而易見的錯誤。這些電容器已經停產十年以上了,但還是能買到它們的庫存新品。它們用在Stratocaster上的效果出色極了,能給你肥厚的音色,卻又不失真。比起Orange Drop薄膜電容器,它們有更多的中頻,以及更少的高頻嘶聲。如果你的Strato音色瘦弱,它們是值得你一試的。

Paper-Waxed (aka “PIW”) 

這種形式的電容器,是最早的設計之一,而且在今日已經是被淘汰了。紙製電容器的製成,標準上都採用蠟紙,來分離裡面薄而平坦的條狀金屬箔膜導體。它們用封蠟的方式來防潮、保存。你可以在一些早期的真空管收音機、電視,還有吉他音箱裡找到這種電容器。Fender在早期的Broadcasters、Esquires、Telecasters、Stratocasters,採用這樣的電容器(通常看起來像一團厚厚的矩形蠟塊)。在那時,0.1uF是標準值,它產生非常暗沈、像被裹住的音色(像我提及過的「診斷死亡」)。選擇這樣的值是Leo Fender的主意,有像貝斯一般的音色,能讓樂團裡的吉他手,在必要的時候,彈上一些bass line的緣故。吉他世界中最出名的PIW,是Gibson在1956年以前所使用,管狀的Cornell-Dubilier “Grey Tiger”。它們的結構能幫助抑制高頻,讓低頻和中頻突出,產生一個像被裹住般的音色。個人來說我並不喜歡這些電容器的聲音,但它們是最早期Fender吉他的原廠設定-所以,如果你想要複製早期電路的話,沒有別的辦法了。我唯一會推薦這個電容器的情況是,你有把冰錐般音色、刺耳、具有大量高頻的Strat。這些電容器已經停產了很多年,但你仍然可以在eBay上找到二手貨跟庫存新品。

NOS “High Voltage” Ceramic 

「高伏特」陶瓷電容器(又稱「煎餅」電容器),來自於像 Sprague、Centralab、Waldom、Mepco和Erie這樣,在六零到七零年代初期之間,幫Fender生產標準電容器的公司。它們看起來像咖啡色的巧克力碎片,而且大多數都含有高達1kV,甚至更高的伏特數。它們已經停產了,但有些公司仍在囤積這些絕頂好聲的庫存新品。另一個取得的方法,就是去找那個時代的電器產品來拆取,像舊電視、舊收音機。想要有六零年代那種Strat、Tele,或是P-Bass、J-Bass的vintage tone,沒有什麼能像原裝產品那麼棒的了。它們聽起來跟現代的陶瓷電容器完全不一樣。它們的差異真如天壤之別,有一些說法來解釋,它們為何那麼出色。從技術觀點來看,這些可真稱不上是完美的電容器,有很多的諧波跟高頻都沒被阻隔住-這就是為什麼大多數人說它們聽起來很棒的原因。它們也在我的最愛清單之內,它們的位置落在非常好聽和好聽極了之間。我試過很多的現代陶瓷電容器,但它們一點都比不上這些舊的。如果你能拿到一些的話,就換吧!

好的,就這樣了。還有更多的電容器沒介紹到,但列一個超長清單不是我的本意。我想專注在那些適合Strat的電容器。例如,Bumblebee電容器,用在Fender吉他上就不太好聽,所以我們會留到未來談Les Paul和335改裝的時候再說。下個月,我們會以討論電容器的定向,來結束這一系列文章。我保證會有些精彩的故事。在那之前⋯⋯繼續改裝吧!

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Dirk Wacker 
Dirk Wacker住在德國,打從五歲起就被各式各樣的吉他吸引。他沈迷於任何有關舊Fender吉他和音箱的事情。空閑之餘,他在兩個樂團裡彈奏鄉村樂、鄉村搖滾樂、衝浪音樂,和納許維爾式音樂。他在當地兼職做錄音室樂手,也在一些吉他雜誌寫專欄。他是個吉他、音箱、效果器的重度改裝迷,並且經營一個關於這些事情的網頁 singlecoil.com



2013年9月17日 星期二

適合Straocaster的音色電容器〈第一集〉

Tone Capacitors for Stratocasters, Part 1

Dirk Wacker
March 11, 2010  

哈囉,歡迎回到「改裝車庫」單元。最近,我收到很多關於Stratocaster電容器的E-mails。我有在前幾次的單元中討論過電容器,如果你想對吉他電容器瞭解更多,或是想知道怎麼去取決電容量的話,去讀那些之前的專欄會是不錯的開始。基於之前的基本概念,現在我們要研究地更深入些,專注在Strats的電容器上。我會基於自身過去幾年的經驗,給你些有關電容器和Strats的建議,但這沒有一定的規則。這是你的吉他和你的音色,沒有任何法則能說,你不可以去試任何你想要做的。勇敢且大膽些,也許你會意外地找到正適合你的東西。有一個我的客人,只用一種五零年代出產,特殊的舊德國收音機取出的電容器。對他而言,那是完美的音色。如果你在地下室還閣樓,有些舊的、不要的電子產品,它們就是你做些瘋狂實驗的最佳來源。我曾收過一封信,是從阿肯薩斯洲寄來的。那傢伙打開了一些五零年代的軍事用品,結果找到了一大堆的Sprague Bumblebee電容器⋯⋯有一些被拿來賦予他的Les Paul、SG吉他新的生命,也提供超棒的音色。 

在小小的外殼下,電容器是個能利用兩個導體(稱作「金屬板」)之間的電場,來儲存能量的電氣/電子裝置。電容器儲存能量的過程,是利用兩邊電極的電荷相等,但相互反向,而建立起來的。電容器常用在電氣/電子電路板中作為能量儲存裝置。它們也常用來區別高頻和低頻的訊號。這項特性讓它們能在電子濾波器作用,這正是我們在吉他中使用它們的原因。基本上,我們的被動式音色控制,可以用來抑制高頻。當你把音色鈕關掉時,它會把高頻反應切掉,給你比較柔和的音色。調整這個控制鈕,會顯著地影響音色,但你依然很好辨識是同一把吉他。 音色電容器的基本法則就是:電容器越大,音色越暗。取決於電容的值(電容量),它的影響可讓音色從微暖(2200 - 6800pF),到女人聲(0.01 - 0.047uF),直到完全黑暗和死透(0.1 uF或更高的值)。另一件要記住的事,就是:雖然音色電容器也是吉他電路的一部分,但它甚至能在音色鈕全開的情況下影響音色-那就是音色電容器為什麼是聲音重要的一部分的原因。

以下是些你該試用在你Strat上的電容器:

Orange Drop

這些傳奇的電容器之前是由Sprague製造的。今天,它們是由一家美國公司SBE所製造的,但仍然是按之前輝煌日子的方式,用相同的舊機器做的。它們是薄膜式電容器,提供不同的伏特數、尺寸、形狀,以及電容量。就我們熟知的典型Orange Drop,都用在高品質的真空管音箱內,特別是630V。這些電容器在Strat上使用,會有最「Fendery」的音色:少量突出的中頻,緊實、有衝勁的低頻反應,最適合做clean playing(也適合overdrive)。他們有提供幾種不同的系列,最常在店家看見的就是715P,跟更高級的716P系列。它們都是聚丙烯薄膜電容器。225P和PS系列是聚酯薄膜式的。這些也是你該嘗試用在你的Strat上的電容器。它們甚至比715P和716P系列來的更「Fendery」。作為一個薄膜式電容器,Orange Drop是沒有極性的,所以它們的安裝定向是沒有分別的⋯⋯至少它不應該有任何差別,但那是在稍晚的專欄裡會提到的問題。

Mallory 150 

這些圓軸式的聚酯薄膜,或聚丙烯薄膜電容器,因為它們亮黃色的外觀,很容易就能分辨,就像你能在Music Man音箱內找到的舊Plessi電容器一樣。Mallory 150電容器是加拿大公司DuraCap製造的。因為軸狀的外形,它們很容易地能裝在吉他上。它們的聲音犀利帶勁-適合藍調和搖滾的完美Strat音色電容器。用overdrive時,它們聽起來圓潤、富有音樂性。這電容器和單線圈拾音器作用的很好,用在雙線圈拾音器上也很棒。如果你想要比較現代、圓潤的音色,這就是你該是去試的。

ERO Roederstein MKT1813 

由Vishay製造,這些也是圓軸式的聚丙烯薄膜電容器,它們也是黃色的,但沒有像Mallory 150那麼閃亮。它們有很木質和透明的音色;裝在Telecaster上,它們有時候會聽起來像把木吉他。如果你的Strat主要是琴身共鳴的木質音色,這個電容器會將這項特質更加提升。

NOS Styroflex caps 

通常都稱作「polystyrol」電容器, 即使現在已經停產了 ,但它們在eBay上可以輕易地找到。 聚苯乙烯電容器用來在濾波器、時序電路、回授電路,以及任何需要高穩定、低耗損的地方最恰當,但它們也適合拿來當吉他、音箱、效果器的電容器。 聚苯乙烯(註:在歐洲通常稱作”Styroflex”或”styrol”)是長久以來,拿來當關鍵性的類比電路板材料的選擇之一。聚苯乙烯電容器是銀雲母電容器的最佳替代品,但體積更小,更容易找到適合吉他的電容量。如果你想要最透明,沒有任何染色的音色,這是你該去嘗試的款式。

下個月我們會討論油浸紙質、銀雲母、熱帶魚、蠟質紙殻電容器,還有五零、六零年代出產的「高伏特」陶瓷電容器。在那之前⋯⋯繼續改裝吧!

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Dirk Wacker 
Dirk Wacker住在德國,打從五歲起就被各式各樣的吉他吸引。他沈迷於任何有關舊Fender吉他和音箱的事情。空閑之餘,他在兩個樂團裡彈奏鄉村樂、鄉村搖滾樂、衝浪音樂,和納許維爾式音樂。他在當地兼職做錄音室樂手,也在一些吉他雜誌寫專欄。他是個吉他、音箱、效果器的重度改裝迷,並且經營一個關於這些事情的網頁 singlecoil.com


出處:http://www.premierguitar.com/articles/Tone_Capacitors_for_Stratocasters_Part_1

All Access: Soundgarden翻譯

Apr 1, 2013 9:00 AM, Photos and Text By Steve Jennings


三月初,Soundgarden正在宣傳新專輯的巡迴途中,他們剛做完兩場完售演唱會,辦在加州奧克蘭的Fox Theater。我們利用這段空檔,給他們做了採訪。全部的監聽和外場系統都由Rat Sound提供;當地的場館再協助P.A.系統不足的地方。

照片右邊是外場工程師Ted Keedick,跟系統技師Jason Brandt,一起在Avid Venue Profile System前合照。Keedick說:「它的體積很小、界面簡單,而且我真的很喜歡它能和Waves plug-ins以及Pro Tools無縫地整合。我用面板上的DigiRack Mod Delay 2做大多的vocal delays, 還有在鼓上用ReVibe,如果有需要的話,也可以拿來做一些vocal reverbs。Waves軟體方面,我用RCompressor、Renaissance Axx,還有非常出色的C4!它真的可以幫助我去塑造,或控制任何你去加在上面的東西。唯一的outboard gear,是我們帶了一台Dolby Lake Processor來做系統EQ和陣列式喇叭。」他繼續說道:「兩個多小時的演出長度,每個晚上的內容都不太一樣,所以舞台上會釋放出很多、很多的能量!我只是保持仔細地聆聽,手放在混音台上,集中注意在我的cues上,並且確保我們能聽見每一樣樂器和歌聲。」

照片右邊是監聽工程師Martin Strayer,一起合照的是來自Rat Sound的系統技師Casey McDaniel,也同樣用 Avid Profile做混音,他說他試著去限制自己使用plug-in的數量,雖然他提及到,在Chris Cornell的vocal,使用了Bomb Factory plug-in做long delay。樂團也使用了d&B audiotechnik監聽喇叭。

Strayer說:「我們給Chris一支Telefunken M80當vocal mic,它有最佳的屏蔽,而且聽起來很棒!我已經做這行很久了,我能真心地說,他們是我共事過最棒的一群傢伙了。 敲算出Chris的long vocal delay,再將它們混進他的耳內監聽⋯⋯超有趣的。我好久沒有玩的這麼愉快了。」

Kim Thayil的吉他技師Josh Evans,也是Soundgarden的設備經理。Thayil的Mesa Tremoverb combo跟九十瓦的Mesa Eletradyne 4x12 cabinet,用Shure SM 57s收音。他的效果器包含T-Rex Tap Tone delay、Ibanez chorus、Electro-Harmonix Micro Pog、Hughes & Kettner Rotosphere、Dunlop/CAE wah、boost and distortion,以及一台Providence Pec-2 routing system

Chris Cornell的吉他技師Stephen Ferrera-Grand說:「Chris Cornell的舞台設備有做過一些變動。在Fox的時候,他的舞台設備是兩顆Savage Rohr 15 2x10-inch combo amps,以及一顆Divided By FTR 37 head和 2x12 cabinet。Fred Taccone是Divided By 13音箱的設計師,音箱也是他親手打造的,他更是該品牌的老闆。我們非常感謝他的產品和支持。

據爵士鼓技師Neil Hondt說,Matt Cameron的鼓組麥克風包含一對AKG 414當作overheads、 Shure SM81收ride、新的Shure 98夾式麥克風收toms、Shure SM57收小鼓、Shure [beta] 52和 91一起收大鼓,還有一隻Shure SM57用來收hi-hats。


貝斯技師Nathan Yaccino說:「Ben的設備由兩種音箱組成,一顆Mesa M6 Carbine,和一顆Ampeg SVT-VR。那顆Mesa傳送乾淨、不受影響的訊號,而Ampeg則是傳送較髒、經過他所有效果器染色的訊號。我們用一支Shure beta 98收Ampeg 8x10 cab的聲音。人們總是在問這個,因為它們通常用來收鼓組。Dave Rat,Soundgarden之前的外場工程師,曾經用這個來做貝斯收音一陣子。雖然Dave已經不再擔任他們的外場工程師了,但我們保留了這麥克風。它聽起來很棒!」


他繼續說:「Ben半數的效果器在他的效果器板上,另一半放在他音箱後方機櫃裡的托盤上。Ben器材的中樞,是一台 Radial JX44 Air Control。所有的器材設備都經過它的迴路。」


出處:http://mixonline.com/live_sound/tours/all_access_soundgarden/

2013年9月16日 星期一

Tunning Tips 翻譯

By John Riley 


每種類型的音樂都有它自己的聲音。不管是風格、聲學需求,還是音樂脈絡,都有助於塑造我們對於好聲音的概念。無論是什麼音樂類型,爵士鼓的調音原則都很直接了當;鼓最好聽的狀況,就是每顆鼓合乎自己適合的音高,並且和其他樂器聽起來和諧。

調音的第一步,就是要讓鼓皮的張力均衡。把你的鼓從架上取下,將它放置在桌上或地板上。這樣做,能讓你將要調音的鼓皮隔離開來。在你把新的鼓皮裝上之前,先將鼓身和鼓框擦拭清潔,去除殘留物。把鼓皮裝在鼓身上,再把鼓框裝在鼓身上。確認鼓皮和鼓框,都有跟鼓身對齊。

用手將調音螺絲轉到最緊。現在,用你的鼓鎖,把每根螺絲順著同一個方向轉緊。最好是能將鼓皮對稱著鎖,例如:從十二點鐘方向的螺絲鎖完後,再去鎖六點鐘方向的;然後再從三點鐘方向的,鎖到九點鐘方向的,諸如此類推算。在鎖完每一根螺絲後,去壓鼓皮的正中央,來幫助你校準。重複以上的步驟,直到你得到你想要的音高。

現在好戲上場了。用你的手指或鼓棒,輕敲鼓皮上離每一個螺絲約一吋距離的位置。聆聽每個點的音高。在心裡記下最高和最低的音。稍微轉緊音高較低的螺絲,放鬆點音高較高的螺絲。現在壓住鼓皮的中央。再敲一次;每一次可能都需要調整不同的螺絲。把音準較高和較低的點,朝中間值靠攏。不斷地調整,以及測試鼓皮的張力,直到鼓皮的音高平均。將鼓翻過來,對另一面鼓皮做一樣的調整。

為了迎合不同樂風的需求,有三種的調音方式是比較常見的。全都是用上述技巧來做調整,但會因上、下鼓皮的音高相互關係,而造成不同的結果。

當上、下鼓皮調整成一致的音高時,聲音會最為開放,共振最多。這樣子是標準的爵士風格調音。鼓組的整體音高,完全憑個人的喜愛來決定,但爵士樂鼓手通常偏好音高較高的鼓聲。

對於偏向流行樂、放克樂的調整方式,是將下鼓皮的音高,調成比上鼓皮小三度。這樣讓你的鼓有比較深沈的音色,並且有聲音微向下沈的感覺。

第三種方法,是將下鼓皮音高,調的比上鼓皮高。再一次的,距離小三度的音高,會產生較佳的效果。用這種調音方式,延音會較短,音色會直接反映給樂手或麥克風。

小鼓的調音也相當個人化的,但把每面鼓皮的音高調整好,並將下鼓皮完美地調成比上鼓皮低上四度音,會是個很好的開始。舊時代的鼓手,以及管絃樂團的鼓手會將他們的小鼓音高調成降B。

或許大鼓的調音方式,因風格的不同,而最多樣化。爵士樂鼓手喜歡開放的聲音、如toms般的共振聲,還有偏高的音高。流行樂、放克樂鼓手通常用低音高來演奏,單面鼓皮的大鼓,並且想要較強的起奏聲,和較少的共振聲。在打擊面放置隔音器材,可以消除共振,增加力道。

當我在大編制的樂團裡演奏時,我會把我的大鼓聲音調的很低,非常開放的音色-不做任何消音。在小編制的樂團裡,我會將音高提高,還可能在打擊面外側貼上一張2×2吋的紙巾。我還會調整我的大鼓音高,去幫助融入不同的貝斯。和木貝斯演奏時,我發現較低,且共振多的音色最合適。因為電貝斯會有較多尖銳的聲音,所以我會傾向將我的大鼓做些隔音,作出比較尖銳的起奏聲。

有一點值得細心注意的是,你所演奏的空間聲響;調整打擊力道和音準,能幫助你得到一個較好的結果。我想要我的鼓不但在舞台上好聽,也要從觀眾席聽起來一樣好。我有注意到從觀眾席上聽到的鼓聲,似乎會比舞台上的鼓聲來的深遠些,所以我就會把鼓的音高調得高些,好獲得我想要的「外場」鼓聲。

不論你的鼓皮選擇是什麼,霧面或亮面、單層或雙層,這些調音方式和聲學概念是真真確確的。用不同的調音方式實驗,嘗試使用不同的鼓皮組合,能幫助你找到屬於自己的音色。想知道我近期的Remo鼓皮組合,可以上我的網站www.johnriley.org

調音是件冗長乏味的差事,但我知道,當我的樂器聽起來很悅耳時,我會更願意去練習、演奏。花些時間調音,並且找出最適合你的鼓聲。祝你好運。


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2013年9月4日 星期三

Jim Scott談錄製嗆辣紅椒的加州掏金夢

JIM SCOTT: Recording Red Hot Chili Peppers' Californication

Interview | Producer


嗆辣紅椒的回歸專輯獲得巨大的成功-難以置信的,這唱片幾乎是單聲道的。錄音師Jim Scott對記者講述有關錄音的過程,和團隊是如何製作和混音的第一手資訊。


已經有很多跡象顯示,《Californication》專輯在全球銷售出色,它是樂團最暢銷的專輯,在澳洲、紐西蘭、加拿大、日本,以及美國都達到白金銷量;而在英國和大多歐洲國家更是得到了金唱片。在公開的資訊裡,這專輯名稱的由來,是源自主唱Anthony去婆羅洲遊玩的見聞。他很訝異看到當地的文化,被來自加州的象徵物給滲透了-不論是可口可樂、萬寶路、好萊塢電影,或是T恤、海報、像嗆辣紅椒一樣來自加州的樂團的卡帶和CD。《Californication》,理所當然地成為有先見之名的美妙專輯名稱,而這樣的雙關語,也相當搭配樂團他們辛辣的歌詞、狂野的舞台動作,和有明顯性意味的音樂錄影帶。

當然,這隻來自洛杉磯的放克/搖滾/饒舌樂團已經嘗過走紅的甜蜜,他們早在1991年發行Blood Sugar Sex Magik專輯時,就已躍上國際舞臺了。那也是他們頭一次和傳奇製作人Rick Rubin-製作過Slayer、Danzig、the Beastie Boys、AC/DC,而近期常和Donovan、Johnny Cash、Tom Petty等人共事-合作的經驗。在1995年,他再一次的幫助紅椒們做《One Hot Minute》專輯,但在這次之後,樂團內的人際關係降到谷底,他們的吉他手John Frusciante墮落至踏上沾染毒品的自我毀滅途徑。

四年後,幾個近乎奇蹟的事情發生了。Frusciante,讓人很難相信他能有機會活下來的人,現在戒毒成功了。他裝上了一組新的假牙,手臂上移植了一些皮膚,顯然地,他還記得怎麼彈吉他。更甚的是,他和主唱Kiedis、貝斯手Flea、鼓手Chad Smith一起讓紅椒復活了。他們致力於新專輯的創作,用觸動人心的旋律,點綴他們的高能量搖滾樂,像是〈Scar Tissue〉就已經成為一首賣座單曲。Rick Rubin也再度坐上了製作人的位子,還有來自洛杉磯的錄音師/製作人,Jim Scott親自操刀錄音、混音。

像Rubin一樣,這位現年四十七歲的Scott,他的名字也出現在一長串的合作名單上:他和 Natalie Merchant、Lucinda Williams、Counting Crows、Tom Petty、Neil Young、the Rolling Stones、the Finn Brothers、Robbie Robertson、Sting、Santana、Seal,和Jewel。Scott對於捕捉紅椒的聲音和活力,做得出類拔萃,因而製造出一張強硬、粗獷音質的專輯。如果你有仔細聽這張專輯的話,你會發現有幾件古怪的事:大多的歌都是美好、復古的單聲道,而且用了極少的殘響效果。這樣產生了非常結實、有力的聲響。

大聲又清楚


Jim Scott在他洛杉磯的家中受訪,他更是樂於透漏有關專輯製作的細節,像是其他工程師通常不願泄漏的事。他回憶道:「故事從頭說起,在John Frusciante回歸之後,樂團埋首於創作和重新熟悉音樂好長一段時間。1998的夏天,樂團都在Flea家的車庫練習,當他們進到錄音室時,他們都已經做好了萬全準備。他們剛開始錄音的時候是跟另一位工程師合作,但一週之後,他們覺得沒有得到理想的聲音。在幸運之神的眷顧下,我曾在一家位於洛杉磯,和他們相比鄰的錄音室裡工作,叫做Cello Recording(前身是Western Recorders)。所以Rick叫我進來摻一腳,就像之前我為他工作一樣。在我開始跟他們一起工作之後,紅椒們對於錄出來的聲音感到非常開心,但我所做的,不過就是簡單地,將樂團在房間裡彈奏的音樂捕捉下來而已。我們在一週內錄了三十首歌,表示我們用了大量的盤帶,以及做了大量的演出。但他們彈奏的很棒,所以唯一要做的事情就是,好好把他們錄下來。在錄音過程中唯一可能會有變動的,就只有歌曲結構而已,但Rick有他和樂團做事的一套方式,而且樂團真的很信任他的意見。

「我們同時錄他們四人,這張專輯的聲音基調就是如此。John會做些吉他疊錄,大概只有疊兩、三軌在某些歌吧,在疊錄的世界裡,這樣不算太多。像在〈Scar Tissue〉疊錄的滑奏吉他就是個例子。我不認為他有回錄音室再重新錄製一些吉他軌,而Flea大概只有重錄了一些段落。我們還加了一些AC/DC式的強力和弦鋼琴在混音中,但那並不是一層又一層的疊錄。這張專輯的聲音,就是我們在第一週所錄下的。那些『現場』的鼓聲、貝斯和吉他,貫穿了每一首歌。」

據Scott所言,在Cello Recording做這張專輯,有另一個重要的因素。他之所以喜歡在這邊錄音,是因為『這裡有全世界最棒的搖滾樂麥克風收藏,而且他們收集了舊的Neve consoles和舊式類比盤帶錄音座。』他們在Studio 2錄音,一間尺寸中等的長方形錄音間,能讓聲音集中、飽滿。Scott再詳述:「鼓組設在房間的正中央,架在升降台上,還有一間大間的隔離房間,我們把John跟Flea的音箱放在那,只是為了將它們與鼓間隔開。我們做了一個狗屋把貝斯音箱隔起來,可以避免被吉他音箱干擾。但串音其實不是那麼大的問題。在我的經驗裡,只要你至少有將它們隔開些,就不會是個問題了。那裡還有個小的獨立收音間,錄Anthony唱歌。

「Flea、John和Chad大約以離彼此十英呎遠的距離,形成一個小圓周,而Anthony在十多呎遠的收音間裡,可以透過玻璃看到大家。他們都可以沒有障礙地看見彼此。鼓組沒有架反射板,所以房間內轟隆震天。我架了兩隻room mics,但我沒有使用,所以鼓聲聽起來很近。Chad有套很好聽的鼓組,你可以在他的律動中聽見動態和細節,所以我只要把它忠實地錄到盤帶上就好了。對於Flea也是一樣的,他有很出色的彈奏技巧-即使他彈得很快,你也可以聽見所有的音符。因為他們都彈奏的很出色,再加上我錄音的方式,整體的聲音很乾、很有力。每個聲音都既大聲又清楚。」

打鐵趁熱


所以,那Jim實際上是怎麼收音的呢?這個問題通常會使工程師保持緘默,因為他們會想保護他們的商業機密。也許他們是想藏招,亦或者他們只是比較喜歡談論這差事的概念,這份需要同時兼備技術面和藝術面的工作。Scott過去曾拒絕回答這問題幾次,但那都不是什麼特別的案子就是,而現在他卻開心地侃侃而談:「為了要得到緊繃又趨前的聲音,你必須把麥克風架的離鼓組非常的近。不能收到太多房間的聲音。在某些唱片,最需要的就是房間的聲音,你就能得到像齊柏林飛船那樣的鼓聲。但Rick偏好又大又前面的聲音。如果麥克風可以架在距離只有一呎的地方,他是不會想要架在距離三十呎的地方的。麥克風的配置非常基本,就像八零年代時我在The Record Plant錄搖滾樂一樣,沒什麼特別的。」

「我用Neumann U47收大鼓,把它放進裡面。用兩隻Sennheiser MD421收toms,兩隻Neumann U87作overheads,還有一隻Shure SM57收hi-hats。小鼓是用兩隻SM57收,一隻收上面,一隻收下面,上面還多加了一隻Neumann KM84,讓我可以做好麥/壞麥組合比較:你可以在兩者之間找到理想的音色,也能得到明亮、飽滿的聲音。 這三個小鼓麥克風最後會併成一軌。在小鼓下方的SM57能給我較多的咯咯聲。特別是在一些靈魂抒情歌裡,這小鼓咯咯聲真是美麗,但Chad打的有點太快而讓這聲響多了些。我們在房間還放了第二套鼓組,完全不同的音色,是套拼湊出來的、又特大尺寸的鼓組。我們在《Porcelain》這首歌用上它。這套的小鼓有更多的咯咯聲,鬆軟的大鼓聲,再加上嘶嘶作響的銅鈸。為了作出自然的效果,加進了很多房間聲響。我拿剩下的麥克風來收這套鼓。我記得我用一隻SM57收小鼓,Electro-Voice RE20收大鼓,兩隻RCA77 緞帶麥克風收整套鼓。我也用了一對Neumann M50架在房間裡收兩套鼓組的環境音,雖然我有用它們收音,但最終沒在混音中用上。」

Scott再敘述有關吉他、貝斯、以及人聲錄製的細節:「貝斯過DI進到混音臺,我同時也用Nemann U47真空管麥克風錄他貝斯音箱的聲音。我通常把DI和麥克風兩種訊號50-50的比例混在同一軌。我發現貝斯,能有那種在空氣中移動的聲音是很重要的。再者,有時候貝斯的拾音器會傳出些失真聲音,但它經過音箱之後傳出來比較好聽些。吉他方面,我用了兩隻SM57和兩隻U87麥克風,各取一隻成對分別用在兩個音箱上-再一次,好麥/壞麥組合。四隻麥克風全併到同一軌,它們凝聚在一起,會成為一個正點的吉他巨響。」

「Anthony總是用SM57來錄他的主唱。我們把它架在麥克風架上,但我確定他把麥克風拿在手上,倚著它並吞著它唱。這就是怎麼錄他的聲音的。但意味著,去壓縮他的聲音非常地重要,因為要保護盤帶。和聲有百分之九十都是John唱的,雖然Flea跟Anthony也會唱一些部分。大多時候我都是用U87來錄John和Flea,但有時,John突然有主意想快速地嘗試一下時,我就讓他用Anthony的麥克風錄。經過多年的體會,我發現,當你有好聲音可以錄下來時,你很難從不同的麥克風來分出優劣,只管把那好聲音錄下來,把事情解決就是了。你不是每天都待在錄音學校-打鐵趁熱,把主意及時錄下,要比那來得重要多了。」

魔術


當Scott開始擔心他是否透露太多細節時,他便著重在談論,其實他真的在做的就是把樂團一齊演奏的聲音給錄下。他用真誠的語氣讚歎著:「這些傢伙真的是很出色的樂手。我看著他們的潮起潮落,現在的他們正值最棒的時期。我想他們現在應該是當代最棒的樂團。整個樂團為這張專輯貢獻了他們最好的表現,這真的太棒了。Anthony大約每天下午三點鐘會到場準備,通常在四點左右開錄vocals。他有歌唱老師每天陪同他來,陪他暖嗓,所以他唱得很好。我想這是他有史以來唱得最好的一次。我們有留下一些Anthony在第一週所錄的live vocals,但他是唯一一個回來重錄很多東西的人,大多是因為他的歌詞更新了。我們在同樣的小隔間裡錄他的聲音。Anthony每天會唱三或四個小時,然後我們再從中挑出最佳的部分。Vocal的錄音大約進行了兩週。整個錄音過程大約花了五週時間,隨後再花個幾週時間混音,因為Rick不是很有空去聽這些混音。」

所以樂團聽起來很棒,而且麥克風配置就只是『基本』的搖滾樂編制。那訊號鏈跟效果器方面呢?Scott:「整張專輯都是用一台七零年代的Neve 8038混音臺,錄進一台Ampex 124 24-track,這些機器在世上已經沒有幾台了。它們真的都是舊機器,聲音很棒。我們沒有使用杜比環繞音效。我們喜歡嘶聲。嘶聲是我們的朋友。去聽任何一張The Who的唱片,都聽得到嘶聲。那台Neve有很好的麥克風前級,所以我就用它們。所有其他廠牌的麥克風前級都想要變得像Neve的一樣。這台特別的混音臺有Neve 1073 EQ,我在錄音時用了一點。在錄音間聆聽和在控制室聆聽有極大的差別:在錄音間,那裡有五百瓦的吉他音箱在他們腦後咆哮著;而在控制室,那裡只有從六吋高的喇叭傳出同樣的聲音而已。所以你得把所有聲音擺在它對的位置,並讓聲音聽起來感覺很好又正確。方法就是去用EQ、壓縮器,或用任何你能拿來用的東西把它搞定。」

「為了讓聲音在控制室裡聽起來很好,我在電吉他上加了很多中頻,在1kHz到2kHz之間,也加了很多低頻。Neve EQ提供你56Hz和100Hz可以調整,所以大概是100Hz吧。幫吉他加低頻很好,因為在激昂聲響的裝扮之下,聲音容易變得小又瘦。也許你可以很容易地就能聽見它,但它不會再那麼大了。John彈奏得非常大聲,理所當然地造成了音箱的壓縮,但我也在錄音時用一台Urei 1176壓縮John的吉他。我沒有用的太多。大多的聲音都來自他的指間。他用了一些效果器,但他實在不是個效果器魔人。他是從吉他、導線、音箱開始的。我們從未為了他設定聲音而等待過。他對於聲音動態的控制能力實在是太驚人了。像是〈Get On Top〉這首歌,他的吉他會在瞬間從巨大的聲響變成瘦小的聲音。而那幾乎在現場錄音時就已經完成了,而不是我去調整的。這是讓這張唱片,之所以這麼簡單可以錄好的原因。」

「Flea也是一樣。專輯中開場歌曲的失真貝斯,就僅僅是他去敲貝斯而已。我沒有做任何更動。Flea從不去更改他貝斯的任何設定,整張專輯就用同一把琴錄,除了〈Road Trippin’〉,他彈了一把木貝斯。我用LA2A真空管壓縮器去壓縮他的DI和音箱。我想我沒動太多EQ,除了加一點在56Hz附近的低頻。我不記得有為了清晰度,加了任何中頻或中高頻,因為他聲音本來就很清楚。」

不復古


「再來說錄vocal和鼓,因為Anthony幾乎快吃了麥克風,所以他動態過分的大,Scott解釋他用在Kiedis vocal的Urei 1176壓縮器:「大家都用這台。雖然我做的唱片聽起來可以很激進,但我不會做過度的壓縮。我用原廠設定,4:1 ratio,快的attack、慢的release還有足夠的壓縮量來完成工作。我把他的vocal跟壓縮印在一起,它很輕易地就成為了聲音的一部分。我錄鼓的時候用了大量的EQ。就像經典的老搖滾一樣。我想你可以在很多的搖滾鼓聲中找到API EQ的身影。你會加很多的5kHz和100Hz,那是鼓組聲音主要的地方。我是用Neve EQ,也是用同樣的概念。我加了很多低頻到大鼓和toms上,大約是在50Hz左右,還加一些高頻到小鼓和銅鈸上,剛好能讓聲音變美就好。」

從很多方面來說,錄製《Califonication》像是用一些六零、七零年代所發明的技巧完成的。但,再探討得深一點,這專輯其實不是全然用復古方式製作的,而是也加上了現代的工具所完成的。這麼說的原因,最明顯的就是,他們最後用了48軌。讓專輯的基底是由三個人在房間的彈奏,再加上一些樂器疊錄所打造的。Scott:「我最終用了兩台Ampex 124同步工作。其中一台其實是用來做vocal的子帶。主要的那台上面有十軌的鼓聲:大鼓、小鼓、stereo toms、 stereo overheads、hi-hats、stereo rooms,而且我通常也會印出一個壓縮過的鼓submix-它會讓rough mixes聽起來更興奮些。那上面也有些打擊樂器,像是鈴鼓之類的。第二台24-track讓我們能放很多、很多的主唱跟和聲。然後我們把這些音軌轉到Pro Tools,好能夠對聲音做些實驗、剪輯、移位和存檔。這樣做vocal合成,比在類比設備上作來得快太多了,特別是當我們想要將一些嘗試做給Rick看的時候。你可以掌握聲音的全貌,所以你可以再將聲音恢復成原來的模樣。

大單聲道


提到Pro Tools,特別是在Cello Recording使用的時候,一個充滿經典舊機器的環境,挑起了數位對上類比的爭論。Scott發覺這樣的辯論根本是浪費時間:「我偏好類比,但我能用任何的方式做我的工作。我會用任何的工具。我想你若堅持全都使用數位,是在給自己找麻煩,但我們使用Pro Tools時,可以讓判斷好壞的決定做得更快。」

Scott顯然地站在務實派的那邊,而非理論派的那邊,這從他為這張專輯混音的方式可以看出端倪,大概是因為大多的歌曲既乾又是單聲道。對現在來說,這麼做是個既勇敢又非常瘋狂的事情,但他還是為這張專輯贏得成功-不過,華納兄弟也許會在把它轉成5.1環繞聲道上有些困難!Scott從頭開始描述混音的過程:「我們的初衷就是因為盤帶聽起來很棒,打從第一天開始就一直很棒,所以我們沒有任何理由要去改變它。所以我不用在混音時去修飾些什麼。我需要做的就是讓音樂保持平衡,並且讓它真的夠大聲。所以這混音很輕鬆。我主要考慮的是去正確地建構這些音軌,那這樣一來每個和聲都能順利地變大聲,而且歌曲中的高、低潮動態會更大。我在洛杉磯的The Village用Neve混音臺做混音的,還用了Flying Faders Automation。我用兩台24-tracks來跑混音,這樣還可以恢復到原始的音源。最後,我們用最佳的位元率把它bounce出來。」

「混音幾乎是乾的。我沒加任何殘響,其它的效果也只加了一點點。我們用了一台『human compressor』在vocal上-我們把手指放在上fader上-確保Anthony能保持在混音中。對此,automation是個理想的幫手。我也沒做太多的re-EQing。我們已經有很刺激的鼓聲了,所以,我們幹嘛還去改變它?我用了很多的Neve 33609壓縮器在音樂整體的立體聲混音,為了增加些力道,而且我也加了一點低頻和高頻到整體的立體聲混音裡,只是為了讓它能更hi-fi些。紅椒的唱片必須要生氣蓬勃且放克,而且你如果試著讓他們聲音變得太大的話,唱片就毀了。如果你增加很多的低頻,你就能讓唱片慢一點,那音樂就會開始慢慢的成型。我們混了很多種數位形式(Apogee DAT、正規DAT、96K DA88)和類比雙軌,做過比較之後,最後選擇了30ips類比雙軌,沒有杜比效果。」

那接下來呢,Scott先生,想當然專輯大部份都是單聲道的,除了toms和疊錄的吉他、還有〈Road Trippin’〉Chamberlin鍵盤發出的Mellotron式音色?這位美國人笑說:「沒錯!乾效果和單聲道,這是張大膽的唱片!單聲道讓音樂變得更大聲。我想Rick決定他不要唱片裡有聲音會突然從左聲道爆出來。我們怎麼可能會想要這樣呢?我們只想聽到歌曲而已。我們試過panning吉他到左、右聲道,但無論我們怎麼做,都像是:『它置中最好聽,就讓它留在中間吧。』如果有些很棒的吉他樂句出現時,它可以就疊在vocal後面。這張唱片是貝斯、鼓、吉他和一位歌手做成的。它沒那麼複雜。所以它用一個大單聲道聆聽是最棒的。」

不插電,但仍然嗆辣⋯⋯

Californication〉裡面的聲音大多都是插電的樂器,但在〈This Velvet Glove〉和〈Road Trippin’〉這兩首歌裡你可以聽到木吉他。此外,還有一些前述有說到的鋼琴音軌。Scott描述到:「我錄木吉他通常是用一支Neumann U87和一隻AKG C452,又是好麥/壞麥的概念。你不想要麥克風靠得太近,因為聲音會太轟,所以我把它們架在兩呎之外。指向音孔之上或之下-除非你想要像〈Jumpin’ Jack Fish〉那樣的聲音,不然木吉他的聲音就是要漂亮。我會把兩隻麥克風併在一軌。我們是在洛杉磯的The Village混音時錄的鋼琴。我們想要像披頭四〈A Day in the Life〉那樣子的東西:一隻麥克風壓縮得很兇,讓聲音有穿透力。我用一隻U87,不會離鋼琴或風琴太近。我們想要有很多的鈴鳴聲,而且我們用EQ和壓縮器得到很多attack,實際上就是用一台Urei 1776,加很大的input gain,再加上非常慢的release time,這麼一來,甚至連延音都變得很大聲。

原文網址:http://www.soundonsound.com/sos/dec99/articles/jim.htm



2013年7月27日 星期六

雙重幻想曲:逆境驅使Mastodon的音樂創作到達嶄新的層次

By Ken Micallef

在南方毀滅金屬樂團Mastodon(大隻佬)完成他們2006年的Blood Mountain(血山怪獸)之後,這組來自亞特蘭大的四人團知道他們想要更多。鼓手Brann Dailor想要鼓聲能更大、更肥、更猛。吉他手Bill Kelliher希望Mastodon這第四張專輯的歌曲,能有更好的連貫性。Dailor夢想著有Bonham般的鼓聲。Kelliher想像,會有個魔法師能驅動樂團,保持著他們硬蕊前衛金屬的風格,進入他們音樂生涯的下一階段。

但在他們要忙著製作專輯之前,先面對了層出不窮的災難。大多的體驗都成了Crack the Skye [Warner Bros]的養分。這專輯的內容,是大伙兒在辦公室裏,討論他們那時所遭遇的厄運而產生的:吉他手兼主唱的Brent Hinds在2007年,出席MTV大獎會後派對時,在一場鬥毆中被擊昏(後來導致暈眩症)。而且,在專輯完成之前,Kelliher因為姑姑過世,妻子車禍,而產生原因不明的胃痛。這還沒完,Dailor的母親,她的房子被法院回收,丈夫也同時去世了。

對一般人而言,面對如此一連串的壞事,一定會想逃離一切現實,而同時身兼Mastodon的填詞人,Dailor,也是一樣。Crack the Skye的中心思想最後囊括了,靈魂出竅、時光旅行、蟲洞、十八世紀俄羅斯的帝國統治。Mastodon的新歌驅使了Dailor的幻想,進入到一個玄妙、未知的領域。再加上他們所受到的音樂影響-King Crimson、Metallica、MelvinsFrank Zappa-Mastodon(當然也包括貝斯手兼主唱的Troy Sanders)成功地創作出他們的指標性專輯,毫無疑問的,也是2009年最出色的唱片之一。

結果,在現實中,製作人Brendan O’Brien成了 Kelliher想像中的魔法師,他在Mastodon怪物般猛烈的復古樂句中,找到了一點自己的影子。錄音是在亞特蘭大的Southern Tracks Recording進行的,那裡有一貨車的類比器材,Mastodon因此而受惠良多,包含了一台Solid State Logic 4072 G+ console、成打的Telefunken和Neumann麥克風、一台EMT 140 plate reverb、Neve mic preamps及EQs、 Fairchild 670 StereoUrei 1176LN compressors,還有更多的器材繁不及備載。加上了O’Brien製作多張白金唱片的功力,Southern Tracks的主要錄音間,成了Mastodon的音樂奇幻列車。 

這四個促成Mastodon最新史詩般專輯的幕後功臣——O’Brien、Kelliher、Dailor,以及錄音師Nick DiDia- 用他們的精妙的手法、多樣的概念,還有豐富的技巧,讓Crack the Skye充滿生氣。

製作人:Brendan O’Brien


O’Brien說:「當一個製作人,你的主要工作就是,確保音樂和律動照著它該往的方向走。如果沒有的話,就要幫助大家去理解並達成這一點。Mastodon有個前衛搖滾的元素是我很喜歡的,但在他們的唱片中似乎沒有呈現出來。我覺得我可以幫他們把這個點做好。」

你錄製的鼓聲幾乎是個傳奇。你在Crack the Skye的鼓聲是怎麼收的?

對於這個團,我覺得聲音應該要更人性化一些。Brann想要站在樂器為音樂服務的角度來做,所以我們就照著他想要的方向調整。而且,我讓鼓件之間沒那麼多的獨立收音,而讓聲音多置中些-比較像單聲道的感覺,而不是那麼立體聲的樣子。

你對於鼓的麥克風串音OK嗎?還是你比較喜歡獨立收音?

我根本就不在意串音。如果有很多的銅鈸串進你的大鼓,那也是聲音的一部分。有時候,你的大鼓聽起來不優,是因為你把麥克風塞的太裡面,只消把麥克風往後擺一些就行了。如果有太多的銅鈸聲串進來,就去處理它。你會明白的。這也是聲音的一部分。

你是不是喜歡用盤帶來錄鼓聲?這是鼓聲飽滿肥厚的原因嗎?

部分是。而我們的確是用盤帶來錄鼓的。如果小鼓跟大鼓被敲得太用力時,有些attack會被消掉,而我正喜歡這一點。那也是我依然使用盤帶的其中一項主因——我喜歡盤帶對鼓聲的處理方式。盤帶還沒消失呢,我們愛死了。

是非題,你是不是在鼓上面狂用Empirical Labs EL7 Fatso

(笑)我的確是會用它來幫助我混音。它是被設計來讓不同的聲音順利融合在一起——讓混音聽起來更像盤帶。我把它用在鼓組上,結果就是「哇!」然而,它的作用會讓大鼓、小鼓漸漸地消失,所以你得小心謹慎使用。

類似的問題,你偏好用SPL Transient Designer來做壓縮嗎?

我愛它們。通常,我會在大鼓、小鼓、toms上面用它。這有點像作弊。如果你的toms不知道為什麼給你很多麻煩的話,把它放上去,toms就會聽起來棒呆了。我不知道它是怎麼辦到的,但是我是它的粉絲。

在”Ghost of Karelia”的vocals有種詭異、濕潤的音調。

有時候,我們會用個老技巧,把vocals送到一顆Leslie cabinet。我們不太常用plug-ins,我們通常用outboard analog effects。我們還有用一個Electro- Harmonix Holy Grail Reverb-一顆一百美元的吉他效果器-拿來當outboard用在vocals上。

你是怎麼做混音的?

我們的工作方式從一開始的錄音,跟我們最後做後製處理時,其實也沒什麼兩樣。我總是處於一個混音模式,在作錄音和聆聽。當我們做疊錄時,我也在這個模式。當我做混音時,我只是希望聲音能融合得更好-這之間沒有什麼很大的差異,我只是去琢磨聲音而已。

Nick Didia有暗示說你在混音時有用EQ改變些聲音。

在混音時用EQ,只是為了讓音量保持在一個高亢的狀態。如果我必須去EQ個什麼,我不會去用我在錄音時用的同一台EQ。我會在混音時用SSL EQs,因為我們在錄音時完全沒用到它。

鼓聲在混音時完全變了樣嗎?

他們是個例外。鼓聲錄到盤帶上時做了很多EQ。我在盤帶上壓縮鼓聲時遇到了麻煩。我會去壓overheads還有room mics,但不常去壓大鼓、小鼓、toms。那些東西是我在混音時才會用Transient Designer、EQ之類的設備去處理。 

Bill Kelliher說你很渴望幫樂團製作。是你在試聽帶中聽到了什麼中意的東西嗎?

我在前面幾次的樂團練習中沒有聽到什麼東西,因為他們實在是太吵太瘋狂了。但在之後,我有找到一些東西是我們能夠掌握並讓它發生的,而我們也做到了。

錄音師:Nick Didia


你可以說Nick Didia是Brendan O’Brien的左右手,他是不會否認的。Didia曾幫助超級製作人O’Brien做過Pearl Jam的 Vs.、Bruce Springsteen的Working on a Dream、Rage Against the Machine的Evil Empire,以及很多專輯。

你有用Southern Tracks的SSL 4072 G+ console來當作錄音台或監聽混音台嗎?

我們都是用盤帶錄,再轉到Pro Tools HD-用一台Apple Mac G4 933MHz-來做大多數的疊錄。

Crack the Skye的錄音過程中,有樂團的現場同步錄音嗎?

現場錄音都是用一台Studer A827 24-track 兩英吋盤帶機錄的。唱片的大部分都是Mastodon在錄音室裡做現場演出錄音的,我想應該聽起來就是那樣子的。這樣做會有種氛圍。當然,你可以晚些時間再來錄些吉他,或是讓樂手站在控制室監聽喇叭前錄音,通常,現場演出可以得到比讓樂手戴著耳機錄音更好的效果。

錄鼓的訊號鏈是怎麼樣的?

我在大鼓的外側擺了一隻舊的AKG D30,還有一隻Sennheiser MD421在音孔處。我應該是給大鼓用SSL preamps,接著一台Audio Design Recording F769X-R Vocal Stresso-一件有EQ跟limiter的老機器。我用它的EQ在大鼓上作用,因為它有我喜歡的扎實聲音。再錄到盤帶上。小鼓是用一隻SM57和一隻AKG C451 B纏在一起,在打擊面上收音,訊號在過到一台SSL preamp和一台Pultec EQP-1A

你怎麼去平衡兩隻小鼓麥克風?
451有較多的低頻重擊聲,而57是傳統的高頻小鼓聲。在共振面收音的,會是另一隻57或SM58。Overheads是一對Neumann KM184s,再過到兩台Teletronix LA-2A compressors或是一台Summit compressor——但它們都會先接到兩台Neve preamps,像是1073s。原則上,我會讓overheads收整套鼓組的聲音——而不是像銅鈸麥克風。

Toms是用近距離收音嗎?

是的。用一隻Sennheiser MD421收上面,一隻Shure SM57收下面。我們用一條phase cable來接上下兩隻麥克風,所以我們一顆tom只要用一台mic preamp就行了。Hi-hats都是用一隻Shure SM58,或一隻Neumann KM 84收音。如果我要比較多中頻的聲音,我就用58。而且我還用了一隻麥克風架在大、小鼓之間收音,我們稱作”kick-snare”麥克風——是A&M StudiosAlex Gibson秀給我看的技巧。它只是隻AKG C 414 B-XLS坐落在大鼓的打擊面。你把麥克風調成8字形指向,然後它就會捕捉小鼓的底部,以及大鼓的打擊面聲音,產生一個美妙的低頻。Room mics基本上會是一對Cole緞帶麥克風,或是一對立體聲的Neumann M49s。

你怎麼收吉他的?

收重的吉他,我會在一個單體上用兩隻SM57收。這個技巧是Andy Johns展示給我看的。你把一隻麥克風正對著單體收音,另一隻麥克風傾斜四十五度也對著同一點收。然後,我會再架一隻Neumann KM 86對著箱體的另一個單體收音,有時,是會對著同一個單體。我們會聽哪一隻是我們最喜歡的。錄vocals、吉他、貝斯的mic preamps會是Neve 1081、1066、1079、1089,或1073。吉他不是用1073s就是1076s。我偶爾也會用room mic在吉他上——一隻AKG C414或是另一隻KM86。

你貝斯會接DI嗎?

我們用一個聲音超棒的D.W. Fearn VT-3 Dual Channel Vacuum Tube DI。我們應該是用一台Ampeg SVT-CL Classic amp接上一台8x10 cab。Troy有一台Mesa Boogie amp和cab,我們用他的設備來收失真貝斯。

Crack the Skye裡有很豐富的和聲,是怎麼錄的?

Troy的主要麥克風是Shure SM7——更高檔的SM57。通常,我們會在live room裡收和聲,而SM7聽起來效果很棒。Brent是用Telefunken ELA M251。都只是看怎麼配合歌手,以及哪隻麥克風聽起來最好,來決定的。Vocals都是用Neve 1073 preamps。

節奏吉他手Bill Kelliher

Mastodon的節奏吉他手Bill Kelliher收集Gibson吉他,他的最愛——1979 Lea Paul Custom幾乎包辦了整張專輯。他的乾淨訊號使用Marshall JCM800 Reissue head,Marshall 2203KK Kerry King Signature JCM800 head和Ibanez TK999HT Tube King pedal則負責過載音色。兩台吉他前極都接Mills Acoustics Afterburner 4x12 cabs。

我們跟錄音師Nick Didia談的時候,他提到,我們聽到專輯裡有很多的狂暴音色,都源自於你的效果器。

我們用Electro-Harmonix Holy Grail、POG、MXR Custom Audio Electronics Boost/Overdrive MC-402,還有一些Moog Moogerfoogers—像是MF-103 12-Stage Phaser跟MF- 104Z Analog Delay。

在“Divination”的吉他獨奏後面,有個榴彈炸裂般的效果聲音。

那是Brent。他彈一把有加很多reverb的Telecaster ,做一些衝浪吉他的音色。他的基本設備是把Gibson Flying V ,和一把30th Anniversary Gibson Les Paul goldtop。 Brent的吉他幾乎都會過一顆Monster Effects Mastortion Overdrive效果器。他的主要音箱是一台Marshall JCM800和一台Marshall 2466 Vintage Modern head。

“Ghost of Karelia”中間有一個螺旋般的聲音。

那是Brendan的一台奇怪的鍵盤——像是五零年代的小孩玩具。它會發出些詭異的聲音。在”Ghost”裡,我彈一把First Act 9-string guitar ,搭配Moogerfooger delay。

樂團和Brendan討論的整體制作方向是什麼?

我們想要歌曲有連貫性,讓唱片有完整的結構。我們不想要有太多的效果,而且,Brendan他做的聲音超有穿透力。也讓我們有機會把玩他的千萬吉他收藏!

鼓手Brann Daillor

Mastodon的主要作詞人,Daillor,負責專輯的名稱(Skye是他已故的姊姊的名字)。同時,身為樂團的鼓手,Daillor以驅動Mastodon那高能量的前衛金屬節奏為使命。他敲擊Slingerland bastardized kit的大鼓(錄音師Nick Didia的)、Fibes toms、 Tama Warlord和Ludwig Black Beauty小鼓,Daillor知道他的目標,就是要讓鼓聲回到像從前雷神般的鼓手一樣。

你在Crack the Skye裡的鼓聲,有指標性的參考嗎?

我想要我的鼓聲像是John BonhamAlex Van Helen那樣——強壯的鼓聲。在過去,我的鼓聲一直聽起來很緊密在一起。我想要更多的空間感,更誇張的聲音——那種經典搖滾鼓聲。

你有用click track嗎?

是的——這是我第一次用。我過去總是把click看成是什麼可怕的東西。我把它跟正規學院訓練之類的聯想在一起,而那不是我。但Brendan說:「試著跟看看click,然後看你會怎麼做。」我照他的話做了,而且我很喜歡。很多新歌的中間,都有節奏變動的部分。如果沒有click,我可能會想「我應該做的到,但我不知道我等下打的節奏,是不是能跟一開始打的一樣。」那是我在錄Blood Mountain遇到的問題,所以click能減輕很多我在錄 Crack the Skye的壓力。

Mastodon在錄這張唱片時,生活處於一片混亂之中。而所有的這些混亂,是怎麼影響這次的錄音過程的呢?

你得把它擺到一邊去,然後往前看,去做你該做的事情。然後,等你離開錄音室的時候再去處理。但我真的覺得這些發生在我們身邊的事情,給了我們作吉他獨奏和歌詞創作的動力。幸好我們有足夠的經費去完成一張唱片。



原文網址:http://www.emusician.com/metal/0800/double-fantasy-adversity-drives-mastodon-to-new-heights-of-creative-escapism/139385








2013年7月25日 星期四

挑選音色電容器〈下集〉

Auditioning Tone Capacitors Part 2 


Dirk Wacker

將我們的音色電容之旅做結束,並介紹幾種常見的電容器類型。


歡迎回到尋找完美電容器的下集。希望大家都在上個月時,已經照著我的上集專欄,做了很多不同電容量的測試了。果真如此的話,你已經踏出重要的第一步了。別忘記了,你找到適合某一把吉他的電容量,不一定會適合另一把琴。如果,你想盡可能地找到適合你每一把吉他的電容器的話,你得一一照著流程試過才行。然而,我認為這是件值得花費時間的事情。

一起來看看幾種不同的電容器,好讓你能簡單地做出正確的選擇。知道有關數值的正確觀念,讓整個過程更加簡單明瞭,也能節省開銷,因為你可以買同一種數值,但類型不同的電容器來作嘗試。試想像一下要買各種不同類型,加上不同數值的電容器-只要花點時間用我們的硬紙板圖示方法,便能省下你不少時間和金錢!

選擇適合的電容器並沒有多艱深的道理,也沒有更快的捷徑-更沒有絕對的好與壞。「好」是你喜歡的樣子;如果有個超級便宜,才兩分錢的迷你陶瓷電容器是你的菜,那也沒什麼不對。我多年來一直在做吉他的改裝,十分有經驗。有一個通則是可以遵循的,那就是,使用標準的、非極性薄膜電容器和金屬薄膜電容器。極性電解電容器不適合拿來做音色電容器。

有些電容器在市面上比較常見,所以我就準備用這些來做導覽。大多的資訊都是我實驗的結果,或是客戶的反應。如果你對電容器有什麼特殊的問題,請聯絡我,沒有關係。

Sprague “Black Beauties”

因為有幾乎像是魔法般的音色,這些電容器以及”Bumblebee”,絕對是最常被拿來討論的。它們通常是從五零年代晚期和六零年代早期時製造的,你可以在那時候的吉他裡找到。它們之所以有名,是因為它們被使用在’58跟’59(Burst)Les Paul裡,而且有些人說它們是這些吉他擁有神奇音色的秘密。Black Beauties有紅色、黃色兩種印刷字,400跟600伏特的類型是最常裝在那時期的吉他裡的。

這些電容器抑制了些高頻,讓音色變的柔和些、滑順些、更
暖、更甜。低頻也是很滑順,給你那古老唱片般的音色。這些電容器是給那些找尋老Les Paul音色的人的,而且你可以在eBay上找到庫存新品或是二手貨。我知道只有LUXE有在做它的複製品,但請記著,這些複製品的音色不會一樣,而是像新的Bumblebee電容器。如果你想用這些老電容器,請確認你是用舊的絲布銅線,以及Gibson五零年代的接線方式,否則你是無法完整體驗這些電容器的美好音色的。

“Bumblebee” 電容器

Bumblebee電容器跟Black Beauties非常類似,而它稱號的來由,明顯地可以從它外觀看出。你也可以在五零年代晚期的Les Paul找到它們,還有來自這個時期的其他吉他身上也可以,它們絕對是最享有盛名的電容器了。上述有關Black Beauties的敘述,在bumblebee身上如出一撤。LUXE、Crazy Partssinglecoil.com也有它的複製品。

有一件事情要注意的是,Gibson的Historic系列出產的複製品,他們只有外觀是像bumblebees;我用X光掃過,也打開過其中一些,裡面是裝便宜的標準薄膜電容,再加上Bumblebee的外殼。

“Tropical Fish”電容器

因為外殼上的彩色條紋,看起來有點像是熱帶魚,所以這些電容器被稱為”tropical fish”。”tropical fish”常被人跟”bumblebee”搞混,但這是個顯著的錯誤。你可以在大多數的老效果器、哇哇踏板、音箱上看到tropical fish電容器,也能在一些吉他上看到。我真的很喜歡這些電容器拿來當作音色電容器,因為它們能給你肥厚的音色,卻又不讓音色糊掉。這些電容器已經停產了,但你可以在eBay上的舊零件商家買到。Visual Sound的R.G. Keen對這些電容器做了一番研究,發現它們不過就是標準薄膜電容,只是上了有趣的顏色-跟Xicon出產的便宜"Greenies”非常類似,所以,給它們一個機
會吧。

“Flat Disc”(陶瓷)電容器

這些是Sprague或Erie出產的老「高伏特」陶瓷盤狀電容器,通常可以在每一把的老Fender吉他上找到。你也能在舊的效果器跟音箱裡找到。它們聽起來跟現代的陶瓷電容器很不一樣,為音色增添一種特殊的風味。如果你在找典型的六零年代老Fender音色,你應該試試這些電容器。每過一陣子,你都能在eBay上找到它的原型產品,也能在LUXE找到它的複製品。另一個選擇是去找一些那個時代的電器產品,像是舊電視、收音機⋯⋯等等,可以從中拆出這些電容器。大多時候你都能找到些免費的來用!

Sprague “Orange Drop”電容器

直到現在,Sprague/Vishay都還在供應這些電容器,你也可以在一些高級的Gibson、PRS吉他上找到,還有很多老Fender吉他上也找得到舊Sprague Orange Drops。就像過去它被裝在老Fender音箱裡,現在也能在一些高級音箱裡,找到這些伏特較高的電容器。這是我真的也很喜歡的音色電容器;音色非常透明,中頻也突出些。有很多客人選擇這些電容器來裝在他們任何一把的Fender吉他上。eBay上有舊的款式可以買,新品的話,在幾乎當地的每一家電器行都能買到。別錯過嘗試這些電容器的機會。

Mallory (馬洛裏合金)電容器

Mallory電容器有管狀、黃色的外形。你能在很多音箱裡找到,也常被來拿當作音色電容器。這些電容器有很棒、很肥厚、有力道的聲音,有良好的中頻反應,也讓保持高頻的表現。這是搖滾樂手們最理想的電容器,我們有很多客人都用來裝在他們的Les Paul和SG上。它們裝在Fender吉他上也很出色,Leo Fender也拿它裝在他的”Music Man”音箱裡,但他拿到的電容器是Plessi公司特別供貨給他的。這是在整體性上很出色的電容器,也是個改裝電容器的好出發點;它在雙線圈和單線圈上都作用的很好。輕易就可以買到這些電容器的新品,因為很多公司都有出。

Silver Mica(銀雲母)電容器

這種電容器的外形,在中間有個典型的凹陷設計,可以在一些高級的音箱和效果器裡看到。它們也常被裝在音量鈕上當作hi-cut用,如果你能找到正確的數值,也能當作音色電容器用。高電容量的Silver Mica電容器通常不好找,又大顆又昂貴,但還是值得你一試。它們的聲音很出色,對聲音沒有任何的染色。

Styroflex(聚苯乙烯)電容器

因為它們管狀、透明的外形, Styroflex電容器很輕易地就能辨別出來。這些電容器是五零年代的典型電容器,幾乎那時期的每一台電視及收音機裡面都有裝,有些公司現在還有在生產它們。它們是我最愛的音色電容器之一,因為它們有最透明的音色,完全沒有染色。我喜歡把Styroflex裝在半空心吉他和空心爵士吉他。你可以在eBay上找到它們,通常以數值來區分,配成一對販售;但有些公司也有提供,但不在正規產線上。

Oil-Paper(油浸紙質)電容器

這些電容器由像Jensen這樣的公司生產,可以在一些高級音響器材裡看到,在高級的吉他音箱裡也可以找到。它們非常地昂貴,但有很多樂手對它們就是愛不釋手。如果你的吉他裏有足夠的空間的話,你就能裝上它們;我在不久前試過,它們聽起來跟Silver Mica和Styroflex電容器很相似-音色絕對不差就是了。

市面上還有很多不同的電容器,像是Vitamin Q、Mustard電容器,以及其他繁不及備載。然而,我想這篇文章已經足夠幫助你去選擇電容器了。每種電容器的聲音都不相同,它們也的確能影響吉他的整體音色-即使是音色鈕全開的狀況下。請記得,這沒有絕對的好與壞,只是每個人的品味不同罷了。別害怕去試便宜的,或是使用有「錯誤」的電容量,從來沒人用過的電容器;當我發現原廠設定的電容量數值太大時,我再也沒使用過原廠設定值了。我偏好數值在3300到6800pF之間,能
讓音色鈕更有用處。你也可以在吉他裡裝不同的類型及電容量的電容器混合使用;我有一把Strato,在琴橋拾音器裝6800pF的Mallory,中段和琴頸拾音器共用一個3300pF的Mallory。盡情的實驗,並且用你的耳朵來做判斷吧!

原文網址:http://www.premierguitar.com/articles/10099




2013年7月23日 星期二

挑選音色電容器〈上集〉

Auditioning Tone capacitors 

Dirk Wacker

破除音色電容器的迷思,並且幫助你找到最合適你音色的電容器。


如你所知,我們喜歡討論有關吉他的最微末的細節,想當然爾,我們不會把電容器漏掉。要找到一個對的電容器非常地花時間,也很花錢。而且,你永遠都會在網路上看到一些「都市傳說」——包括一些魔法般、超心理學的「事實」。相信我,電容器沒有什麼好神秘的。撇開神秘的層面,是時候該揭開這些小玩意的神秘面紗了。接下來的兩個月,我會告訴你該如何找尋你的音色電容——不需耗費你的時間和金錢!

在小小的外殼下,電容器是個能利用兩個導體(稱作「金屬板」)之間的電場,來儲存能量的電氣/電子裝置。電容器儲存能量的過程,是利用兩邊電極的電荷相等,但相互反向,而建立起來的。

電容器常用在電氣/電子電路板中作為能量儲存裝置。它們也常用來區別高頻和低頻的訊號。這項特性讓它們能在電子濾波器作用,這正是我們在吉他中使用它們的原因。基本上,我們的被動式音色控制,可以用來抑制高頻。當你把音色鈕關掉時,它會把高頻反應切掉,給你比較柔和的音色。調整這個控制鈕,會顯著地影響音色,但你依然很好辨識是同一把吉他。

音色電容器的基本法則就是:電容器越大,音色越暗。取決於電容的值(電容量),它的影響可讓音色從微暖,到女人聲,直到完全黑暗和死透透。記住,音色電容器雖然也是吉他電路的一部分,但它甚至能在音色鈕全開的情況下影響音色。

我常收到E-mails和電話,都是那些從來不用tone鈕的吉他手捎來的,大多都是在抱怨他們的音色太暗、沒有生氣,特別是把音色鈕關掉的時候,基本上,這個設定,在音色控制鈕中是個毫無用處的東西。我確信你一定有遇過以上的問題;無論是關掉音色鈕,或是從8至10之間的轉變,還是從8一路轉到0之間,你都感受不到音色的變化。別擔心,這是能解決的。我希望我能鼓勵到你,願意給你的音色鈕再一次的機會。不可思議的是,只要有適當的音色控制,你會驚訝,許多各種不同的音色,都能被輕易地調出來。

我們會談論到兩個基本變數:電容器的數值(電容量)和額定電壓,再加上電容本身的類型。兩種變數都會影響音色很多;這個月,我們會從電容量和額定電壓開始。電容量是用來測量,因電位能作用而產生電荷儲存(或分離)的數值。額定電壓是指電容的電壓最大作用值(電位,以伏特為單位)。

額定電壓

其中一個我最喜歡的都市傳說,就是跟額定電壓有關的。你會讀到有關額定電壓到四百伏特—甚至更高—的音色電容器,以及它是如何影響音色的。你曾談論過四百伏特的電壓從吉他輸出來嗎?當然沒有!那它是怎麼影響音色的呢?

可以確定的是,每個在被動式吉他裡作用的電容器,基本的額定電壓是0.5伏特,或更高些,而更大顆的電容器,會有更高的額定電壓。而你發現有吉他用高伏特電容器的這件事也很好解釋。很多受歡迎的電容器,像是Sprague ”Orange Drops”,原本是給真空管音箱用的,它裡面有600V,或更高的電壓。不過,這電容器裝在吉他上很好聽;但,一個額定電壓10V的Orange Drop也聽起來很棒。一個有高電壓的電容器的聲音,跟一個款式相同,但電壓較低的電容器聽起來沒什麼兩樣。

我花了很多時間做A/B測試、盲檢試驗、數值測量;我從未聽見任何不同。我並不是Eric Johnson,所以我用眼睛代替耳朵,觀察任何的風吹草動,不信的話,你可以自己做這些測試看看。Orange Drop電容器很適合用來做這些測驗,因為它的額定電壓,從100到680伏特都有。

數值(電容量)

現在那些謠言的已經被揭穿了,讓我們專注在更重要的變數上-電容器的數值。記得我們的基本原則,好幫助你理解這項變數:電容量越高,音色越暗沈。

在電吉他的「黃金年代」裡,Fender和Gibson都用電容量很高的電容器(0.1uf/0.05uF以及0.047uF/0.022uF,取決於出廠的時間)。在今天,0.022uF依然是標準的電容量。如果你需要比較暗、低頻較多的音色,這個數值正適合你。然而,對我們大多數人來說,這數值太大了,而影響效果過多或過少都對我們沒用。因為前面提及過的問題,音色作用只發生在10到8之間。而解決之道,就是換一個電容量小的多的電容器。這個小小的改變,將會大大地提升你音色鈕的可用性,能讓你的音色鈕平均地發揮作用,毫無任何死角,轉動的每一下,都能使音色產生變化。

音色電容器的數值,取決於個人的喜好和需求。因為每個人都有其理想的音色,以及使用音色鈕的方法。我個人是使用3300pF到6800pF,這樣子很小的電容器,取決於吉他的款式,以及想要多亮的音色。用這樣的小電容量,我能調整著音色鈕,照我的意思來任意雕塑我的音色,每個小轉動,都會使音色變得更暖更甜-而不會鈍和暗沈。

找到完美的數值

要找到完美的電容量,我建議你拿張硬紙板、兩條十吋的銅線、兩個可焊接的金屬鱷魚夾,還有一些便宜的標準陶瓷電容器。在這個測驗中,從當地的電子材料行弄到的便宜電容就夠用了,而額定電壓在這裡一點都不重要。去拿1200pF到0.1uF之間的電容器,再加上你想試的任何數值的電容器。每一個數值拿一個就足夠了。將電容器對稱黏好在硬紙板上,讓接腳朝外。別忘了在紙板上做每一個電容器的數值提示!接著,把鱷魚夾焊到銅線上(一條銅線接一個鱷魚夾,接在銅線的末端)。

現在,打開你的吉他,並把原本的電容器移除。將連接鱷魚夾銅線的另一端尾巴,跟原本連接電容器的接點焊接上,然後,蓋上你的吉他,讓銅線掛在外頭。現在你能夠簡單地使用鱷魚夾,來接上每一個電容器作測試了。彈奏你的吉他,並使用音色鈕來看哪一個數值作用得最好。

希望你能藉著這個方法,找到你最愛的電容器。我的祕訣是,去試2200pF、3300pF、4700pF、6800pF,仔細聆聽它們跟音色鈕的互動。如此一來,你找到最愛的機率就很大了!

這是個將你的音色鈕,從毫無用處,轉變成實用工具的重要步驟。下個月我們將討論不同的電容器類型,以及找尋哪一種會適合你。

下個月見!




2013年7月5日 星期五

混音師的祕訣: Robert Carranza

Secrets of the Mixing Engineers: Robert Carranza  

Jack Johnson
SOS 在2008五月出版

Jack Johnson是個能告訴你,你不需要Auto-Tune、Beat Detective、或是用大量的疊錄,來作出張暢銷專輯的活證明。實際上,據錄音工程師Robert Carranza所說,他甚至連市電都不需要⋯⋯

Paul Tingen

Jack Johnson的專輯「夢想國度」已獲得商業上巨大的成功,在世界上每一個以白人為主的國家,銷售都排行第一,包含英國和美國。對於這樣類比製作,幾乎沒有加效果,不造作、自然、簡單的音樂來說,是相當不錯的。那些想成為暢銷歌手的人啊,真實範例就在這裡!

Robert Carranza,這張專輯的混音師、錄音師,在他洛杉磯的家中受訪。「做這張唱片的重點,就是要把所有事情簡化。就連錄製過程中的設備器材都非常的簡單,少之又少。我們相信直覺,而且我們有很好的觀念,不會被現今作唱片的潮流給影響。我們專心做我們的事,我們專注在感覺上。所以,如果有什麼讓我們覺得是對的,我們就放手去做。即使是到了母帶後期處理階段,我們還告訴Bernie Grundman,這張唱片不需要做的很大聲,讓這些原音歌曲,聽起來是原音歌曲該有的樣子就好,不要像其他的唱片一樣的大聲。對人們來說這挺有趣的,他們可以看到一張暢銷專輯,竟然可以做得如此簡單。」

非靜態


Robert Carranza從2003年就跟著Jack Johnson工作了,他幫這位歌手錄製、混音他的第二張專輯「永不止息」。他在「仲夏夜之夢」(2005),也作了相同的工作,然後在2007年發行的「好奇喬治在唱歌」晉升到協力製作人(與Jack Johnson共同製作)。製作這張「夢想國度」,跟其他唱片比起來,是全然不同的體驗:有更多電吉他和鍵盤,而且是Johnson第一次在洛杉磯錄音,第一次用類比盤帶錄音。這也是第一次有製作人JP Plunier (Ben Harper、John Lee Hooker)參與製作。

Carranza回憶道:「我跟Jack做上一張唱片時,是在他夏威夷的錄音室用Pro Tools錄的。Jack從未用過盤帶錄音,有天他問我:『兩者有什麼差別?』我回他說我不知道你會不會聽出差別,但我可以給你看有什麼不同。所以他就決定要用盤帶來錄,隨即我們就發現這真是個明智的抉擇。大致上,這樣做能強制我們必須專心一致。用Pro Tools,你會花上很多時間盯著螢幕看,並且開始用眼睛來『聽』。用盤帶工作,迫使我們只能坐好,聆聽每一段錄音,去感覺這是好或不好,也讓我們對於所發生的小錯誤比較寬容。這真是一種解放。」

「Jack已經厭倦用眼睛去聆聽,而且他愛上這樣坐在後面,閉上眼睛,只用他的耳朵聆聽的方式。他也很享受我們只用有限的軌數,並且沒有把每首歌都填得很滿。我們用這樣的態度來做事:『不要那麼地看重它,如果這樣行得通,就讓它保持那樣。歌曲的感覺比技術層面來的更加重要。』另一個好處是,我們在每段錄音、每首歌之間會有空檔。用Pro Tools,檔案一叫就立即出現,但是盤帶機需要一些時間回朔,還需要一些時間去換帶子。在錄音過程中會有一點安靜的時刻,這樣能讓我們更專注。這些空檔時間能讓我去重新思考,將我的想法組織起來,以及專注在下一個要進行的事情。」

「我個人是不在意用盤帶還是Pro Tools錄音,但我會說,因為做了Jack這一張唱片之後,我的看法有些改變。Pro Tools是個很棒的東西,但用一台二十四軌機工作,能強迫我們做一些優秀的抉擇,有時甚至是些不合理的決定!在做這張唱片的時候,你就是無法隨心所欲地快速操作,這真的對我們幫助很大。我們這麼認為的理由,並不是因為這樣做很老派,而是因為我們能有一個清晰的概念來解放我們。不僅是在心理層面上,它能幫助我們,在聲音方面也是。但我們並不會因此而多慮。我們反而是都這樣想:『就這樣幹吧!』到最後,機器層面的事也是多餘的了。如果歌不到位,你怎麼錄它也都不是那麼重要的事了。像以JP 為例,當你帶了一個外人進來錄音室,這會幫助你站穩你的腳步。JP提供了許多客觀的想法,有時候是很具有挑戰性的。

讓它串音


「夢想國度」是在Jack Johnson與他的固定班底一起,在Solar Powered Plastic Plant Studios錄的。樂團成員有鼓手Adam Topol、貝斯手Merio Podlewski,以及鍵盤手Zach Gill。Carranza說:「在這張專輯的基本音軌,包含鋼琴、吉他、貝斯、爵士鼓,都是現場錄音的。對此,我感到非常驕傲。這就只是一群人玩在一起,還有朋友之間的情誼。Jack的想法是:『我只是想走進錄音室,讓一切就這樣發生。』以及『就讓它串音吧。』鋼琴音軌有串到鼓聲,這讓我想到舊的Motown錄音。一開始我們沒有隔音屏風,所以我打了通電話去器材租賃公司租了一些,隔在鼓組的四周,避免影響太多鋼琴和吉他的聲音。整個錄音過程絕對是場考驗。我買了Aviom耳機系統,所以他們可以聽到彼此,也可以自己調整自己監聽的混音。但到了一個時間點,有人說:『我們別戴耳機錄吧!』所以往後的錄音過程,就在不戴耳機的情況下完成。我用了一些不錯的麥克風,每首歌都錄了幾個不同的take,再挑出最好的。有些時候,我會將兩個take接在一起。Jack錄音的時候總是會作導唱,而我們也用了一些在歌曲中。我們真的是用一個很簡單的方式在做唱片。

Carranza說:『錄鼓的麥克風沒什麼特別的。』而他之前所提及的『不錯的麥克風』,明確地說就是:大鼓用Sennheiser MD421收音,小鼓用兩隻Shure SM57收(打擊面跟共振面),更多的421用來收Toms,Audio-Technica AT4050 收overheads,還有一個Royer stereo ribbon mic放在鼓組前一呎遠的地方。貝斯收音同時用DI,還有放在Ampeg B15音箱上的一隻421錄。直立式鋼琴用兩隻Neumann U87架在響板前收音。「Zahc起初直對著鼓組彈奏。為了避免太多串音,我將他移了四十五度,所以他面對著牆壁。我還幫鋼琴蓋上一些毯子。

「錄電吉他的方式挺直接的,就用一隻57在音箱上收音。木吉他通常是把Gibson J45,有時候是把Cole Clark,我用AKG C451收音。我會將木吉他完全隔開來錄,才不會串到太多聲音。有些歌一開始是用木吉他錄的,但如果Jack說:『木吉他麥克風收到太多的串音了,試試看用電吉他錄吧。』突然間,歌曲的氣氛就全然改變。而我們就順勢而為。『If I Had Eyes』就是其中一首。」

「我不想提及我們一開始錄這專輯所用的Vocal Mic。它是很好,但我的一個朋友告訴我Telefunken在做U47的復刻版。所以Telefunken寄了一隻試用版的麥克風來,Jack試唱之後覺得很棒。我就打給他們公司,問他們說這玩意怎麼賣,他們就說要再寄一支新的來。但我就跟他們說:『不用拉!我想要這隻麥克風就好,它的聲音很棒,你們不用把它拿回去了!』我到現在都還擁有著它。我們用它重錄了一些Jack的vocal。它著實影響很大—它擁有我一直在找尋的聲音。」

相信直覺


Carranza說:「疊錄是戴著耳機進行的—很難不用—包括一些吉他、合聲 (Neumann U47)、Clavinet (SM57)、斑鳩琴、口風琴、簧風琴(全部都用復刻的Telefunken 251收)、合成器、鈴鼓(AKG 451)、拍手聲(U47)。麥克風的選擇,都是看離我們最近有什麼就用什麼。當這麼做的時候,會產生一個很流暢的氛圍。如果有人有點子,他可以立即試試看。即使聲音不對勁,但至少點子會留下來。」

講到訊號鏈,極簡主義又來了。錄唱歌是用U47過API 512再進到LA2A(Universal Audio),最多只用它壓dB而已,再送進盤帶。我在過去的經驗學到,錄音時你最好不要用-或只用一點點的EQ,因為後來你在做混音時,會變得不好調整。整個鼓都是過一個API preamp。貝斯是過一個Universal Audio 610,吉他跟鋼琴都是過Neve 1073。訊號鏈就大概都是這樣子。

「貝斯跟吉他我都沒有壓縮。我只有壓一點大鼓,我是指只有壓dB,讓它順一點。就這樣子而已了。所有的聲音都很平坦。因為他們有很棒的音樂修養,他們自己就做到很出色的平衡了。這樣子也太神奇了。我猜可能是因為他們在錄基本軌的時候沒有帶耳機,這樣幫助他們更仔細地聆聽對方。最後,我們沒有用click track,除了『Hope』這首歌用了一些。我們在這首歌的節奏速度上遇到了一點麻煩,當我們最後協調好速度時,我們一開始有放click track,但後來就把它淡出了。再一次的,我們相信我們的直覺,做我們覺得該做的事。如果感覺對了,就放手做下去。」

錄音期間前前後後花了三個月時間,在2007年的晚春以及夏天。包括在Johnson夏威夷的錄音室花了十天時間。Carranza最後,還特別為了這一個案子買了另一台Studer A827,還有Malcolm Toft console。「我帶著我的這些麥克風去到夏威夷,也弄了一套我outboard跟preamp的複製機櫃,所以訊號鏈幾乎是一樣的。工作的時候是沒有壓力的。我們真的就只是跟著感覺走而已。唯一一個讓我們感到擔心的時刻,就是要將錄好的十八卷RMG900兩英吋帶子(Recorded without Dolby, at +6/185),寄回去洛杉磯作混音的時候。當然,Carranza在寄送之前,將音樂複製到Pro Tools上。

盤帶解放


Robert Carranza快樂地用著Studer A827跟SSL AWS900,在Solar Powered Planet Studios作整張專輯的混音。難道他沒打算把音源都輸入Pro Tools,並且用它做混音嗎?這位混音師回答:「我一點也不想改變我們一直以來所維持的心情以及氛圍。我可以在Pro Tools上做混音,但我想維持這個案子的美學概念,那種我們不需看著螢幕的感覺。當你在混音的時候,你會更傾向去盯著螢幕,通常會想『這裡發生了什麼問題?』然後zoom in去看。我想避免這樣做。我想要專注在聲音上,fader上,還有對於音樂的感覺。我想用盤帶做混音,Jack覺得沒有問題。這是種解放。所以我在自己的工作室作整張專輯的混音。因為那裡有我需要的設備器材。

「唯一數位化的事,就是到了要mixdown的時候,我用Benchmark A-D converter過到Tascam DVR 1000HD,都是96/24跟DSD。我們之所以這麼做,是因為我們拿不到半英吋的帶子!供應商沒貨了,而且那時候剛好沒有人製造出貨。本來我們是真的挺擔心的,但當我們過完,播放混音出來聽的時候,所有的疑慮都消失了。我不是個頂級的狂熱發燒友,但當我沒有經過patchbay,從SSL過到Benchmark A-D converter,再直接進到Tascam;音樂聽起來棒呆了。」

“Sleep Through The Static” & “If I Had Eyes” 

Written by Jack Johnson

Jack Johnson & JP Plunier共同製作



Robert Carranza說:「要試著從你剛錄完的歌曲,作出新鮮的混音實在是件難事。你會以為你知道這歌是怎麼一回事,你知道怎麼去建構它,但也許你完全錯了。”Static”就是首那種你很難掌握它音樂起伏的歌。我開始做這首歌的混音時,又把它放到一邊去。我好像無法正確地去理解它。所以我就跳去做別的原音歌曲,因為它們比較直覺些 ,做完他們,我再回來做”Static”。我擔心我在這首歌迷失了。這是首非常特別的歌,我得把它弄成個樣子才行。我加了些壓縮到小鼓和其他東西上,然後我就發現我衝得太快了,最好把繮繩拉回來些。」

「我學過最寶貴的一課就是在做Los Lobos’ Live At Fillmore的混音時(DVD 2004, CD 2005)。我人在錄音室,樂團在巡迴路上,我正把混音上傳給他們聽。有天我接到他們的電話,他們全都在會議室,他們說:「嘿!你聽過那些rough mixes了嗎?」我說:「沒啊,怎麼了?」他們回說:「去聽,你聽完之後再打給我們。」那些混音我做得很快,是我在卡車上做的rough live mixes。所以我聽了,非常的出色。根據這樣的結果,我打了通電話給我的工程師,叫他停止一切動作,我再重新做一遍混音。這是你從音樂家身上學到的東西,而不是從工程師。這就是我做Static遇到的問題,我開始做過頭了,而我意識到我又重蹈了一次在Los Lobos的遭遇。」

「當我重做這首歌時,我簡單地把fader通通歸零,從lead vocal(track 21,下方)還有live guitar(track 14)開始。隨後我將vocal double,再來處理其他的旋律樂器,最後做節奏部分。整首歌的混音大概花了才四個小時!做這張專輯而言,混音就只是把fader推到適當的位置,然後持續地聆聽。這首歌我聽四到五次,休息一下,再繼續聽。我怕帶子會越聽越磨損,壓力便隨之而來。”Static”是首很容易混音的歌。只動了一點點技術層面上的動作。我最主要的煩惱是怕感覺跑掉了,那是我花最多時間處理的事。」

 「Lead vocal我動得非常少。因為Jack唱的時候離麥克風很近,我必須做些de-essing,我用的是Drawmer MX50。我真的很愛這台機器。很多人喜歡DBX 902,或是SPL Transient Designer 。但房間裡只有MX50,它就是我在用的機器。我也讓vocal過Tube-Tech TCL2 limiter,用2:1 ratio大約壓個1dB。它能讓vocal更有肉一點,也更上來一些。大致就這樣子了。我有用TC600 reverb做個實驗,因為我想讓空間感更多些。但到了最後就像『你知道嗎?這根本是浪費時間!』效果用得很輕微,如果你可以聽出來的話,我給你一千元。」

「在電吉他跟貝斯,還有鋼琴上我都沒加壓縮。我唯一對貝斯動的手腳就是,手動調整了幾個不太清楚的音符。大多的東西都沒有做automation。鋼琴上用了SSL EQ把高中頻帶了出來。我想讓它多說一點。鼓組處理得非常直接,把fader推上去而已。我是Empirical Labs EL7 Fatso Jr的愛用者,我用它加了一點點壓縮在drum bus上。它造成了一點變化,但不是巨大的改變。它只是讓鼓變得更大些。鼓組的ambience是從overheads及room mic收的。」

「Track 13和19是主歌的guitar lines,聽起來像是吉他solo。它們一定得跟track 14的處理方式不同。我在音箱上用close mic收這個guitar lines,而我也有一支Beta 58 talkback mic,離Jack的臉很近。我意外地忘了關掉我的talkback mic,但以作為一支ambient mic,它的效果聽起來很不錯。它讓吉他聲音聽起溫暖些。所以到了最後我反而只用了這一軌。前奏部分的track 17有Jack彈的簧風琴,上面還有Zack疊錄的口風琴。也有一些尾奏的雜音在track 17跟24。Jack想要一種像靜電般的聲音,但是他不想要使用sample CDs還是什麼的。所以Zack從Moog Voyager弄出些白色噪音,掃進來又掃出去。它像是電台停播後留在空氣中的聲音。我在前奏跟尾奏的聲音上都沒有加效果。」

「這首歌是個簡單的混音,同時,它做起來又很複雜。我的首次混音幾乎是通過了。Jack有一些意見,像是斑鳩琴,就像是跳到你身上一般的出來。他想要它藏在底下些,而我說:『但是它只出現兩秒,如果這麼做的話,沒有人會聽到它的,我們花了那麼多時間,用那麼好的麥克風錄它。』這就是錄音師的我。當我把它藏的底下些時,效果很好。刻意讓它非常地低調,因為整首歌就該是呈現低調的感覺。」

“If I Had Eyes”



「這首歌有趣的地方在於,你會注意到有三軌電吉他,track 13、14、19,最後一軌是Jack最初錄的live track。在Track2跟20還有其他的吉他。所以這是我們做過最多的吉他疊錄!我們在這首歌弄得像AC/DC一樣!事情是這樣發生的,我們一開始有兩軌吉他,19跟14,但Jack覺得沒有很好。所以他再進了錄音室,帶了把不同的吉他,完全不同的聲音。他有問我會想讓吉他聲相似嗎?我回他:『沒有關係。』他做好了疊錄,我開始想,也許就讓這首歌聽起來有三把吉他吧。所以我就把吉他pan成左邊、右邊及中間。其實這沒什麼大不了的,每個人都這麼做,但對我們來說很不一樣。Jack聽了說:『哇!這真是太棒了!』」

「這首曲子另一件厲害的事是,鼓組是單聲道的。我一開始錄鼓組是完整的設定,就像錄”Static”那樣。你可以看到Hi-hats在track 4,overheads一樣在track7-8。我還加了一支Coles 4038 mono mic收整套鼓,給人一種感覺像舊Motown的聲音,當我聆聽這支麥克風的錄音,聽起來真是好極了。當Jack跟我要更多的音軌時,我把小鼓、大鼓、中鼓、落地鼓都拿掉,我們只用mono mic、overheads,還有hi-hats mic。當然,吉他疊錄填補了空間,讓音樂聽起來還是很開闊,儘管鼓組是單聲道的。」

「因為單聲道的鼓組,於是我必須先開始混它。它們就在正中間,所以它們必須聽起來很棒才行。我先把track 21推起來,然後做跟”Static”一樣的訊號鏈,過到立體聲的bus上,Fatso compressor讓鼓更大些、更有重量。再來,我加上L-C-R吉他,讓它們保持很乾的狀態。如果電吉他有帶任何的reverb的話,那就是從音箱上出來的。然後我再加上木吉他,沒有做什麼處理。接著是鋼琴,只推了點高中頻。還有貝斯,一樣地,我只動了一些音符。Merlo是個很棒的樂手,我不需要加上任何的壓縮。我再用了一次MX50 de-essor來處理主唱,而且我加了點高頻,大約是12k,讓它多點空氣感。」

「拍手聲和鈴鼓都是乾的。我想我把麥克風移得遠一些,可以讓鈴鼓有更多的空間感。我沒加任何東西到背景音樂裡。”oohs”都是用支Royer SP24 stereo mic唱的,那時候Jack對於背景部分有另一個主意,我們把它錄在track 22。其中一件最棒的事情是,我們請來Danny Riley唱和聲。他是Jack的表弟,他現在已經過世了。有他一起在錄音室裡,真是件令人感動的事情。」[Riley是個歌手/作曲家,如眾人所知,他是個非凡的人類—詳情請看www.dannyriley.com)]

「“If I Had Eyes”是這張專輯裡最容易混音的,即使它是用最多音軌的歌。一如這整張專輯的做法,這首歌沒有做pitch-shifting、沒有Auto-Tune、沒有ping-pong delays。我們真的是用一種自然的做法來錄音,但有著摩登的感覺。我希望我可以因為修飾這些傢伙的音樂,記上一筆功勞,但事實上,這些人創造了屬於自己的聲音。每一首歌都是一則獨一無二的故事,等著被訴說出來,而顯然地,唱片工業已經失去了對此的焦點。我不會去買一本字印出來模糊不清的書,但音量競賽以及其他諸如此類的現象,似乎把我們帶往了這樣的方向。但如果你拿到一本容易閱讀、有著好故事的書;歸根究底,你還是會覺得它很棒。所以我們做這樣子的唱片,而實際上,能有那麼多的人對唱片有很好的迴響,這真是件不可思議的事情。」

那裡總是陽光充足


在Johnson正計劃著錄Sleep Through The Static的時候,他跟他的經理人,Emmett Malloy,正在找尋他們的廠牌Brushfire Records的棲身之處。他們在洛杉磯找到一棟百年老建築,後頭有個巨大的房間,之前是個攝影師在使用的。這兩個人馬上就興起了把它變作錄音室的打算,並且找了Carranza去安排這件事。為了配合用類比盤帶錄音的這個決定,這位錄音師/混音師/製作人發現他得用不同以往的角度來安排規劃,這個屋頂用太陽能板搭建而成,百分之百自給自足電力,即將命名為Solar Powered Planet Studios的錄音室。

Carranza解釋道:「錄音室設備都由我做決定,我並沒有前例可以追循。我已經擁有我們所需的所有器材設備,而且我也有一套完整的Pro Tools系統,所以,最主要的挑戰是去弄一台盤帶機、一台混音臺,還有一套監聽系統,可以在沒做室內隔音的環境下工作。我們最後從Harry Maslin那買了台Studer A827 24-track,他是個老工程師及製作人,曾經做過很多很棒的唱片。對於混音臺的條件,Jack想要它能夠又符合經濟效益,又不需常常維修。我是用API長大的,它們很棒,但是我知道它們有什麼樣的問題。Neve也是一樣。所以我買了SSL AWS900。我知道我可以從這台機器得到任何我想要的聲音,跟Neve相反,它只能給你Neve的聲音。更何況我有一櫃裝滿麥克風前極的機櫃,四台Neve 1073、八台API 512、十二台API L200,我只需要SSL AWS900拿來監聽和混音而已。」


「我的一個朋友,Rich Costey[請參閱SOS, March 2008]推薦我ATC50監聽喇叭,他們能把音樂詮釋得很出色。但它們對於我的控制室來說太大了,會造成過多的低頻殘留,所以我把它們放到辦公室的一邊。我有時候會 坐在控制室裡 ,把辦公室的門開著,用它們來播音樂,只是為了想從單聲道的角度來聆聽看看。在挑選監聽喇叭方面,我可是內行。我試了PMC AML1監聽喇叭,但因為它們缺乏了某些頻率,我就棄之不用了。然後我試了一些M&K監聽,但也不適用,儘管他們是很不錯的喇叭,所以到了最後,我放上經過我測試、挑選過的Genelec 1030s。突然間,房間的音樂聲聽起來是如此地完美。我也總會用Circuit City上買來的便宜喇叭來做音樂的參考比照。這樣做能讓你從一個完全不同的角度來聆聽。